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sábado, 28 de octubre de 2023

STORIES - About us (1973)

 


Bryan Madey................Batería, percusiones

Steve Love....................Guitarras, sitar y voz

Michael Brown.............Piano, Harpsichord y Percusión

Ian Lloyd.......................Bajo y voz principal


1ª cara:

- Darling

- Don't ever let me down

- Love is in motion

- Hey france

- Please, please

2ª cara:

- Changes have begun

- Circles

- Believe me

- Words

- Top of the city

- Down time blooze

- What comes after

- Brother Louie



La vida de estos Neoyorkinos fue tan fugaz como lo eran sus composiciones, cortas pero intensas. En tan solo 3 años que duró la sociedad, consiguieron auparse al primer puesto del mercado americano con una versión propiedad de los londinenses HOT CHOCOLATE, se trataba de"Brother Louie", una pieza que le llegó al público, consiguiendo de esta manera obtener un pellizco de fama algo etéreo. La empresa estaba fundada por Ian Lloyd y Michael Brown, después llegarían Steve Love y Brian Madey reclutados por sus promotores, con la idea de crear un grupo que realizara una música dentro de la esfera BEATLE.


Lanzarían un primer álbum homónimo en 1972 que no obtuvo gran repercusión, pero un año más tarde volvieron a la carga con este "About us", que tampoco tendría una buena acogida, pero es importante recalcar que en su primera edición no incluye el éxito "Brother Louie". Este vendría con posterioridad, haciendo que su popularidad creciera geométricamente, lo que llevó a replantearse una nueva edición del disco, pero esta vez incluyendo el corte al final. El número de ventas aumentó vertiginosamente. Sin embargo Brown, viendo que lo que demandaba la gente no era lo que ansiaba comunicar al público, ya que su intención iba por otros derroteros, hizo que se quedase muy afectado y ciertamente deprimido, tomando la decisión de abandonar la aventura. Tras su pérdida la formación se quedó bastante tocada, lo que condujo a un final precipitado tras la salida de su tercer y último trabajo "Travelling Underground" en 1974. Ian Lloyd el único fundador que quedaba también siguió el camino de su compañero para dedicarse a trabajar en solitario. Es decir, un trienio de vida para STORIES.

Tal vez la concepción creativa fuese contracorriente en el instante en que se les ocurrió intentar triunfar. Dentro de la vorágine del rock, en 1973 el progresivo estaba en su punto álgido y también el blues rock y le hard estaban construyendo temas complejos, encauzados con inmensos edificios instrumentales que parecían no terminar. Su propuesta era bastante opuesta, aunque el sonido obtenido tiene un fondo que bien podría ser afín a lo que promulgaba el prog. Densas producciones concentradas en apenas 3 minutos o incluso menos, pero con una capacidad instrumental densa. Ingeniería y arreglos muy elaborados hacían que las canciones gozasen de versatilidad aun cuando estaban generadas a partir de una melodía sencilla con estribillos claros, contagiosos y atractivos, ocultando pequeñas perlas dentro de los compases. Las canciones son compactas y enérgicas dejándonos sin apenas tiempo a asimilarlas en las primeras escuchas. Una vez repasado el disco 4 ó 5 veces empezamos a discernir detalles, arreglos, sutilezas que se nos pasan por alto en un principio, y la gran cantidad de instrumentos que se entrecruzan en determinados temas, con ritmos bruscos y explosivos traducidos en secas secciones que catapulta a la batería a altas revoluciones. Las enseñanzas de Phil Spector y su famoso "muro" fueron llevadas a la práctica con gran rendimiento.


El artificio de STORIES se sostiene cimentado sobre una potente batería y el piano de Brown, fundamental en la gestación y dirección de las composiciones. Cuando el barullo instrumental crece , éste lucha por salir a la superficie a base de zarpazos y picados intentando sostener la melodía para que no se pierda. Por supuesto la guitarra de Love, también hará sus pinitos pero no lleva la voz cantante, sino que sigue y refuerza tanto la línea melódica como el ritmo agresivo del piano que en muchas ocasiones rompe al iniciarse la pieza.



Acumulación de sonido en la que aún tendrán cabida los arreglos preparados con mimo abarrotados de una inmensa orquestación que son los encargados de dulcificar en cierta manera para contrarrestar la dureza de esos temas cortos de riffs rápidos. La crudeza disminuye proporcionando unas atmósferas muy sinfónicas a la música, dentro del hard rock, que se puede calificar de melódico, con tintes de blues y boogie, atreviéndose incluso en una breve pieza instrumental con un piano honky tonk. No podemos olvidarnos de otro factor muy importante, la voz de Ian, que la primera vez que la escuché, pensé que estaba ante una fémina. Y es que es fácil confundirla por ese timbre que posee mezcla de dulce-dureza, cuyo mayor valor es la emotividad que es capaz de transmitir, muy importante en el tipo de estructuras en las que tiene que trabajar.

Música muy directa, hecha sin dispendios, sin grandes alardes, pero capaz de llegarnos hondo en muy poco tiempo, tanto a la cabeza como al corazón, sabiendo conmovernos, tocarnos la fibra y hacernos mover los pies, todo ello a la vez que no es fácil. Una gran ayuda en días en que uno necesita levantar el ánimo ó cargar las pilas, porque desde luego desprende buen humor y buen rollo. Una píldora que no fallará, tomarla tres veces al día cada 8 horas.







domingo, 15 de octubre de 2023

GRAND FUNK - We're an american band (1973)

 


Don Brewer..................Batería, voz

Mark Farmer................Guitarra, voz y armónica

Craig Frost...................Órgano, clavinete, sintetizador y piano, coros

Mel Schacher...............Bajo


1ª cara:

- We're an american band

- Stop lookin' back

- Creepin'

- Black licorice

2ª cara:

- The railroad

- Aint' got nobody

- Walk like a men

- Loneliest rider



Es increíble como pasaría desapercibida esta banda, a pesar de su extenso repertorio y su buen hacer, llegando a vender a lo largo de su trayectoria hasta 25 millones de discos, una cifra brutal para la repercusión mediática que obtuvieron, y eso que vendieron más discos que cualquier otro grupo americano. Fueron galardonados nada menos que 4 veces en 1970 por la R.I.A.A., pero parece ser que lo que mejor les funcionó durante su vida fue el boca a boca entre los aficionados.

Nacen en Michigan, EEUU, compuesta en un primer estadio como power trío en 1968, realizarían sus mejores álbumes como cuarteto. Su estilo inicial era un hard rock muy influido por el blues y el funk, con un purismo que poco a poco iría variando en el tiempo. Fueron estereotipados con los británicos CREAM, pero ellos van a crear su propio estilo y en concierto van a lograr un gran atractivo. Solo en 3 años serán capaces de realizar 8 trabajos de estudio, una auténtica salvajada, si lo comparamos con otros, y eso que tuvieron siempre en contra la crítica musical, y con ello una cobertura en radio ridícula. Para que os hagáis una idea de lo grandes que eran estos tipos, os diré que en un concierto de los ZEPPELIN fueron contratados como teloneros, y como eran tan buenos en el escenario, terreno donde se manejaban de maravilla, tuvo que salir el propio Peter Grant en medio de su actuación para terminar con aquello. Era tan espectacular su puesta en escena que podían eclipsar a los propios LED ZEPPELIN, y Grant que tenía un gran olfato para este negocio, vio que podía darse la posibilidad.


En 1976, con una decena de discos bajo el brazo, deciden que es suficiente y se desintegra la sociedad. Farmer comienza su carrera en solitario y el resto de componentes continuarán juntos pero ya no bajo el nombre de Grand Funk, sino que comienzan una andadura denominados FLINT, su ciudad originaria en Michigan. Al comienzo de la década de los 80, volverían a reunirse Grand Funk, y parecía prometer la nueva versión, sacando 2 discos con cierto éxito. Pero no fue suficiente para seguir adelante y por segunda vez el contrato finalizó. De aquí en adelante las reuniones y diferencias continuarían en el tiempo, hasta que en el 2000 vuelven a entrar en estudio, perdurando hasta el presente, realizando gran cantidad de conciertos y material nuevo.

Nosotros nos detenemos en 1973 para hablar del que fue su mayor éxito, el disco arriba mencionado ya, que venía a ser el 7º en su lista particular, todo unos veteranos en el mundillo de la industria. No significa que todo lo anterior no estuviera a gran nivel, ni mucho menos, pero la participación de TODD RUNDGREN en la producción fue esencial. La dimensión del sonido gana enteros y con la garantía de Todd, un hombre con un periplo inmenso a sus espaldas tanto de músico, como de productor, logran un Lp redondo impregnado de la sabiduría del excelente Rundgren.

Continuarán haciendo un hard rock cuyo estilo se va alejando cada vez más del blues rock más enraizado, sumergiéndose en un hard rock que va a adquirir elementos nuevos dotando a las composiciones de mayor variedad estilística, más cambios de ritmo y el acierto de sacarle partido al vozarrón de Don Brewer. Expresiva, clara, directa y contundente, cargada de fuerza suena descomunal, sin que nada ni nadie pueda hacerle sombra, se escucha por encima de todo. Pero ahí no queda todo, sino que va a saber obtener el máximo rendimiento de cada uno de los instrumentos exprimiendo su potencial y logrando un resultado brillante que no va a pasar desapercibido.

Por tanto el secreto de este triunfo no radicó en un apoyo de la crítica, sino que se lo ganaron a pulso, con sangre sudor y lágrimas, y con la inestimable ayuda de un productor experimentado. Una formación con buenos músicos individuales y en conjunto, como demostrarán en vivo, composiciones imaginativas y bien trabajadas donde la carga principalmente recae sobre la guitarra de Farmer, que adquiere una nueva magnitud con nuevos sonidos en sus cuerdas, y sobre el órgano de Frost, más o menos a partes iguales. Pero no hay que olvidarse de la sección rítmica , en muchas ocasiones es la pieza clave perfecta para conseguir un todo, más que brillante, luciéndose en unos cuantos torbellinos.

A estas alturas con los nuevos arreglos, los coros y otros elementos, el sonido de la banda se cubre de un revestimiento muy americano, metiéndose al público en el bolsillo poco a poco con una fórmula más cercana. Se gana en peso con composiciones más voluminosas y con un instrumental más enriquecido, pero a su vez flexible permitiendo muchos cambios de tempo, algo que Rundgren considera importante. Todo ello hace que su esencia se acerque al de otros monstruos americanos como KANSAS.

Momentos instrumentales de alto calibre, intensos diálogos guitarra - órgano incluyendo riffs sucios e incendiarios pero contenidos, gruesos tapices sonoros elaborados por el órgano para que la guitarra trabaje en pos de un lucimiento personal, una batería que trabaja con una intuición impresionante, son principios que conforman el alma de Grand Funk y que no difieren mucho de otras formaciones de la época. Aún así su sonido en este disco es especial y único, y debéis vivirlo en toda su intensidad.

Finaliza con unos segundos de percusión que todos vamos a reconocer como un ritmo personal de los indios americanos que habremos escuchado veces y veces en films del Oeste, una forma de decirnos adiós aludiendo al título del Lp. Algo que irónicamente podría significar su protesta o disconformidad con el sistema americano..........o no, eso ya es cosa de cada uno.










domingo, 1 de octubre de 2023

TOE FAT - Toe fat (1970)

 


Lee Kerslake................Batería, percusión

Ken Hensley................Guitarra y teclados

Cliff Bennett................Voz y piano

John Glascock.............Bajo


1ª cara:

- That's my love for you

- Bad side of the moon

- Nobody

- The wherefors and the why's

- But I'm wrong

2ª cara:

- Just like me

- Just like all the rest

- I can`t believe

- Working nights

- You tried to take it all



Hablar de TOE FAT es hablar de los precursores de lo que posteriormente surgiría como URIAH HEEP , banda visitada ya aquí hace tiempo. Los cimientos de los Heep se encuentran incluidos, el batería Lee Kerslake y el guitarra y teclista Ken Hensley, ocuparían pronto posiciones en sus filas, en particular Hensley, que entra prácticamente desde el principio de los tiempos, ese mismo año 1970. La esencia del ritmo de la veterana banda subyace en algunos de los mejores cortes de este disco. Pero el artífice del cuarteto es sin embargo Cliff Bennett fundador de un combo con su nombre que apenas tendrá repercusión.

Toe Fat

Tras cerrar página se va a ocupar de escribir los temas, de ahí que después de escucharlo detenidamente se observe una amalgama de tendencias e influencias que no deja claro el camino que seguirán en el futuro, aunque este sería tan corto que da pie a poder saberlo. Tras otro Lp, el segundo, acabaría la brillante aventura de Toe Fat. Sus primeras ediciones están buscadas y se pagan buenas cantidades por ellas.

Uriah Heep



Nuevamente Cliff no ceja en el empeño y se reinventa en 1969 liderando a los Toe Fat. Ficharon por el sello progresivo de Tamla Motown, llamado Rare Earth, y lanzaron un año después este trabajo que fracasó comercialmente, pero sin embargo tuvo un considerable elogio de la crítica. Es decir, se estaban convirtiendo en un objeto underground de leyenda. Kerslake y Hensley, parte muy importante, abandonaron la nave tras este primer redondo dejando muy tocado el centro de gravedad de los Fat, que se repusieron aunque no del todo, para sucumbir poco tiempo después.

Kerslake formó parte al completo de este disco, pero no aparece en la fotografía de la contraportada, y en su lugar lo hace Alan Kendall, que sería su sustituto poco después. Algo incompresible y sin sentido. También os sonará a muchos el nombre de John Glascock por su participación durante una época con los míticos Jethro Tull. El grifo se cortó definitivamente con la grabación del segundo disco Toe Fat II. Su publicación volvió a obtener los mismos resultados que con el debut, escaso interés comercial y ventas muy reducidas. Este nuevo mazazo dio por finalizada la sociedad. Como anécdota decir que los torsos desnudos que aparecen a la izquierda en la portada fueron sustituidos en España por un corderito. Todos sabemos la censura que todavía existía en este país.


El disco ofrece muchas caras diferentes pero bajo el primas unificador del hard rock, que es un poco el pegamento de todas ellas. Un rock potente donde hay espacio para la guitarra de Ken Hensley y sus solos, que todavía se muestran faltos de elegancia y con una creatividad limitada, pero con una puesta enérgica e ilusionada. La voz de Cliff es firme, con garra, con tablas, expresiva y con un timbre que podríamos confundir con una voz negra. Los ritmos que genera Kerslake nos van a recordar con esas pausas a los que realizará más profusamente en los Uriah Heep, al igual que la guitarra de acompañamiento rotunda en sus riffs. También se echa de menos una producción más elaborada, ya que se puede decir que es escasa, pero es cierto, que por otro lado hace que la música sea más cruda y auténtica.

Las composiciones son de corte sencillo, riffs claros, melodías con estribillos definidos y con pocas aportaciones a espacios instrumentales, muy justos. Temas que no suelen pasar de los 4 minutos tramados sobre un hard rock clásico que ofrece elementos enriquecedores pertenecientes a otros aspectos del rock, psicodelia, progresivo, etc.

La pieza Bad side of the moon, que tocan en segundo lugar, tiene la autoría de un jovencísimo Elton John, cuya versión original por cosas del destino no llegó nunca a publicarse en un álbum, quedándose en la cara B de un single. Es aquí donde podemos apreciar la introducción de teclados, por primera y ,se puede decir, última vez, aportando un segmento progresivo a la obra, en escalas ascendentes y descendentes. Podemos reconocer buenos grooves en algunas de los cortes y psicodelia en las cuerdas de la guitarra. Nobody es un ejercicio curioso porque vamos a poder observar la realización de 2 solos de guitarra independientes, algo que no volverá a suceder en todo el set. La guitarra es capaz de crear atmósferas apabullantes a base de pedal, como en The wherefors and the why`s un recurso que se aprovechará en abundancia años más tarde, logrando dejar la guitarra bloqueada en largos e interminables delays.

En su lado B , vamos a toparnos con juegos de voces, toques singulares de flauta y armónica en Just like all the rest, experimentación a la guitarra en una pieza de ambiente extraño, como es I can`t believe, un cocktail de bajo y batería de alta graduación (Working nights) y ráfagas de rock'n'roll al más puro estilo recogidas en You tried to take it all.




sábado, 24 de junio de 2023

HANSON - Now hear this (1973)

 


1ª cara:

- Travelling like a Gypsy

- Love knows everything

- Mister music maker

- Catch that beat

- Take you into my home

2ª cara:

- Gospel truth

- Rain

- Smokin' to the Big "M"


Como en tantas otras ocasiones, nuevamente me cruzo con una banda de esas que ha pasado sin pena ni gloria por el estrado, sin ninguna repercusión digna de mencionar, y que sin embargo tras su escucha te preguntas como no quedó una, aunque sea, pequeña huella. En fin, tal vez no lo sepamos nunca, habría que transportarse a la época para ver de cerca las razones por las que unos sí y otros no.

Nacieron de la mano de su guitarra Junior, que no se complicó la vida y puso su apellido al frente de la formación. Oriundo de Jamaica, va a desembarcar en tierras inglesas. Sus raíces jamaicanas no caen en saco roto, puesto que después del corto periodo que funcionó el grupo, se integrará en el círculo de Bob Marley, donde trabajará profusamente con los WAILERS con los que tiene muy buena relación. Pero es con HANSON con quién se bautiza dentro de la industria musical, creando la banda, componiendo prácticamente al 100% toda la obra, y demostrando en ella quien lleva las riendas de todo.

Tras este disco, Junior va a disolver por completo la banda. Su intención es volcarse definitivamente dentro del mundillo funk. Había dejado patente su interés por el estilo en este primer disco que tiene un sello funky claramente marcado, aunque fundido dentro de atmósferas blues y rock. Sin embargo su decantada opción al funk hace que nadie sobreviva a la refundación, salvo él claro. Vería salir su segunda obra en 1974, y entonces sí que da por terminado el proyecto HANSON. Se dedicará en adelante a ser músico de sesión con grandes nombres de la escena musical del momento y a trabajar con Wailers.


En este disco debut, el sonido dentro de la aureola funk es en cierta forma algo ecléctico, con jams más o menos elaboradas que a veces dejan un regusto a inacabadas, con finales algo forzados en algún caso, matices que no son desconocidos en discos iniciales. Pero en general de una calidad bárbara. Junior Hanson cuando dio forma a la agrupación, no se rodeó de gente precisamente inexperta. Todos ellos tenían un bagaje musical muy brillante, habiendo trabajado anteriormente con pesos pesados del rock. También contarán con colaboraciones importantes como es Bobby Tench quién tocó con personajes de la talla de VAN MORRISON ó HUMBLE PIE, procedentes de TRAFFIC contribuyeron a la grabación también, Rebop Kwaku Baah y Chris Wood. Además fueron fichados por Manticore, el sello privado de los ELP, que sirvió para catapultar a tantas bandas dentro del rock, italianas principalmente. Ese respaldo no terminaría de sacar los frutos deseados. A propósito de todo esto, en la carpeta del disco se menciona la gratitud a KEITH EMERSON, por prestar su moog para la grabación.


Su visión musical podría encajar con las características ofrecidas por colectivos tan variados como TRAFFIC (Se nota el toque de sus colaboradores), RARE EARTH, BRIAN AUGER o LIQUID SMOKE (otros olvidados de los que ya he hablado en este espacio). Composiciones de blues rock y algunos atisbos de free jazz impregnados de una densa maraña funk, conducida por la guitarra de Hanson que lleva funky inserto en cada una de sus cuerdas. Trabajando constantemente el wah wah construye solos ligeros para el oído pero densos en su composición, incluidos en cada uno de los temas, permite un espacio para sus devaneos guitarreros, deliciosos por otra parte.


Sin cuartel nos otorga un gran repertorio libre en su creación con gran dosis de inspiración y también improvisación en un marco de sonido fino y de tonos agudos, salvo cuando se asocia a bajo y batería para construir una sólidez rítmica muy activa. El teclado de Roussel queda en un segundo plano ante el vasto despliegue de Junior, donde apenas tiene oportunidad de dejarse ver en solitario, cooperando más en la creación de los atinados arreglos y realzando los ritmos, su atribución es cristalina a través del piano eléctrico ayudando a la guitarra a que las melodías sean ligeras en su apreciación. Cuando utiliza el órgano lo va a hacer de forma más lineal aunque descubrimos algunas ráfagas psicodélicas en Travelling like a gypsy.

La colaboración de Rebob Kawku, que entonces estaba en gracia, hace que la percusión eleve su ponderado protagonismo en muchas ocasiones marcando claro el ritmo de las canciones en las que participa. Y por el lado más bucólico y pastoral entra en acción Chris Wood con su particular estilo de flauta y sus aleteos psicodélicos.

Cuando comienza Gospel Truth, podemos llegar a pensar que estamos escuchando Feelin' alright de RARE EARTH en sus estadios iniciales , pero con menos revoluciones, luego los derroteros van por otros caminos, pero es cierto que se queda uno con la mosca detrás de la oreja. El universo de Hendrix, el marciano de Seattle, comienza a asomarse cuando escuchamos la guitarra en Rain, donde los diversos teclados que ofrece Roussel son de categoría. Y donde ya no queda ningún género de duda es en Smokin' to the big 'M', la pieza más larga y de naturaleza más libre, donde todos tienen la oportunidad de generar sus fantasías en las que los demás harán lo necesario para seguirlas, hasta que aparece una nueva frase improvisada de otro instrumento y todo se decanta hacia ella. Es aquí, donde con el riff inicial de Junior, haría levantar la cara a Jimi y esbozar una leve sonrisa al reconocer su "Foxy lady" en otra dimensión. Todo termina en un final improvisado y la voz de Hanson aceptando de buen grado el trabajo expuesto.


Un disco realizado a la medida de Junior Hanson que deja momento estelares. Aunque parece que él no quedaría satisfecho finalmente si tenemos en cuenta los acontecimientos posteriores. Pero a parte de todo esto es una joya a conocer. Gracias Rockliquias!!!







sábado, 12 de noviembre de 2022

BLUE ÖYSTER CULT - Agents of fortune (1976)

 


Eric Bloom....................Voz principal, guitarra, teclados, percusión

Donald Roeser..............Guitarra, sintetizador, percusión, voz

Allen Lanier..................Teclados, guitarra, bajo y voz

Joseph Bouchard..........Bajo, piano, voz

Albert Bouchard...........Batería, percusión, guitarra acústica, harmónica, voz principal


1ª cara:

- This ain't the summer of love

- True confessions

- (Don't fear) the reaper

- E.T.I (Extra terrestrial intelligence)

- The revenge of vera Gemini

2ª cara:

- Sinful love

- Tattoo vampire

- Morning final

- Tenderloin

- Debbie Denise


Cuarto álbum en la carrera de estos neoyorkinos con un montón en su haber, debido a su dilatada existencia como grupo en el tiempo. No se trata del mejor, pero sí es representativo de su filosofía de trabajo. El rock duro en el que se movían bien tenía referencias esotéricas en la temática de sus letras, sello distintivo, incluso adoptaron un símbolo que aparecerá en todas sus carpetas, unas veces visible, otras oculta y que se convertirá en el logo oficial de la banda, (recordando vagamente a una esvástica), fueron equiparados con una secta por sus detractores.


En los años 80 no pasaría de largo por su puerta la nueva estética ni las nuevas tendencias de la New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM). Su sonido se transformará más duro pero la musa de su magia original los abandona haciendo que nada vuelva a ser como antes. Patti Smith, la punk, colaborará con ellos al estar unida sentimentalmente al teclista Allen Lanier. Ya en la década de los 90 su trayectoria fue errática con álbumes muy distanciados en el tiempo y que aunque mantienen un aire aceptable, lo cierto es que su momento ha pasado.


El disco muestra a una banda que sustenta indiscutiblemente su poderío en las potentes guitarras con composiciones en la mayoría de los casos como mucho de 4 minutos, de estructura sencilla, con estribillo por lo general, en el que se introducen brillantes solos de guitarra llevados a cabo por Bloom o Roeser. Sin caer en lo fácil, algunos de los temas se internan en territorio comercial pero sin llegar a perder el interés por desarrollos originales.



Se inicia con un tema que nos muestra la firma del grupo al contemplar unas guitarras pesadas y dominantes, pero dentro de unas estructuras de características similares a las de unos Rolling Stones, pero con solos eléctricos en el centro de la pieza. True confessions le sigue de cerca también con un estilo al cantar propio del mismo Jagger, con unos arreglos de rock and roll al piano utilizado por sus majestades. Después entra Don't fear the reaper, corte fresco y flexible con el que entrarían en las listas y alcanzarían gran difusión en la radio, traduciéndose en ventas notables y conciertos. Sustentado sobre una guitarra que puntea la misma serie, una melodía bien tratada con buenos teclados , un juego de coros vocales y una segunda guitarra que aporta la agresividad y la fuerza, dan con la clave para obtener el éxito de forma rápida. Junto con alguna otra banda serán precursores de lo que se llamará "Guitarras en paralelo", donde dos guitarras líderes tocarán juntas los solos, obteniendo resultados sorprendentes cuando nadie creía que el recurso fuera acertado.

No se trata de una banda de hard rock al uso sin más, les diferencia el tratamiento que hacen de las melodías. Se alejan del primitivismo del hard rock más purista, estableciendo melodías que contengan armonías y arreglos trabajados con seriedad, principalmente con piano muy incisivo. Incluso en alguna ocasión vamos a encontrarnos con la sorpresa de una sección de viento. Los teclados toman el mando en algunas fases permitido por las guitarras, como en Tenderloin, un tema donde las guitarras se sujetan para que conduzca Lanier construyendo la parte principal que desemboca en una segunda en el que estallan sensacionalmente Bloom y Roeser. Por no hablar de Debbie Denise, tal vez el punto más flojo del redondo, construido sobre sintetizadores con guitarras acústicas en el acompañamiento, donde se deja escuchar un mellotrón y la voz en falsete de Bouchard.







Sin duda no es uno de los mejores y más sólido trabajos de la banda, ofrece luces y sombras a lo largo de sus surcos, salvando los muebles algunos destellos de interés. Podríamos decir que en el instante en que se creó está dentro de la órbita de bandas paisanas como JOURNEY ó KANSAS recordando en fragmentos a unos lúcidos ZEPPELIN.















domingo, 16 de enero de 2022

WEST BRUCE & LAING - Why dontcha (1972)

 


Leslie West...................Voz, guitarra principal

Corky Laing..................Guitarra, batería y voz de apoyo

Jack Bruce....................Guitarra, bajo, teclados, harmónica, sintetizadores y voz de apoyo

 

1ª cara:

- Why dontcha

- Out into the fields

- The doctor

- Turn me over

-Third degree

2ª cara:

- Shake ma thing

- While you sleep

- Pleasure

- Love is worth the blues

- Pollution woman

 

Cuando el miembro clave de la banda MOUNTAIN, Felix Pappalardi, anunció un año antes en 1971 su adiós definitivo, durante la celebración de un Tour por los Estados Unidos, un ya reputado y conocido Jack Bruce coincidió en la gira con ellos. Tras saber que el combo blues norteamericano se iba a romper, creyó que podía recoger los trocitos del jarrón y hacer un proyecto en el que encajar muy bien, teniendo en cuenta que tenían tendencias parecidas. Convenció a West y a Laing, y junto a él acabó surgiendo un power trío de alto poder calorífico, en el que no se rompieron mucho los cascos a la hora de escoger un nombre de guerra. Un tridente que apenas duró dos años, pero en los que se le sacó mucho partido a la asociación, que terminó tras asuntos turbulentos con las drogas, algo que ya arrastraban los músicos de la era Mountain, embocando en una situación insostenible para seguir adelante, de forma que lo mejor fue romper y cada mochuelo a su nido.

 


Su estilo fue una prolongación de la música que siempre habían realizado, es decir, rock potente construido sobre solidas guitarras y con el blues por bandera oficial, hard rock clásico de los 70 con decibelios en la guitarra y cierto sonido sucio en la que se ocupa de los riffs principales a través de los cuales se construyen los temas, voz desgarrada de West muy acorde a la situación rayando sobre la música en los momentos fuertes y más dulce en los cortes relajados que abren un paréntesis entre carga y carga. 

 

Sonido contundente en el que sobresale poderoso el bajo de Bruce lanzando pulsos como latidos saliéndose del pecho, en ocasiones especialmente brutal (The doctor). La guitarra de West nos trae visiones de bandas del momento como LED ZEPPELIN, los recién separados CREAM, y con los músicos norteamericanos siendo mayoría, a unos grandes de la escena americana, GRAD FUNK RAILROAD.

El trabajo es muy equilibrado y bien producido, las guitarras ofrecen un abanico de diversidad que le otorga una frescura necesaria para no caer en el tedio repetitivo, para ello también cuentan con buenos grooves a cargo de la sección rítmica batería - bajo, sección del lujo que demuestra sus méritos en (The doctor, Turn me over). También nos ofrecen blues en su lado más clásico (Third degree) con una guitarra que bien podría llevar Jimi Page en uno de sus temas del Led Zeppelin I.

Se trata de un grupo que demuestra muchas tablas y veteranía, su sonido es rotundo, un bloque sin resquicios, una bomba de energía, solidez y vigor levantada con inteligencia solo con 3 miembros al frente pero que contiene una música potente y rica en matices, con composiciones de envergadura en las que queda sitio para piano, harmónica, sintes y coros que aportan alma de blues a las melodías. E incluso en alguna pieza podemos discernir pequeñas disposiciones que invitan a pensar que estamos escuchando un desarrollo que bien podría entenderse dentro del rock progresivo (Love is worth the blues ó pollution woman) . Interesante propuesta.





domingo, 7 de noviembre de 2021

STORIES - About us (1973)

 

Ian Lloyd....................Voz, bajo

Bryan Madey.............Batería

Steve Love.................Guitarra

Michael Brown..........Pianos, mellotrón, clave

 

1ª cara:

- Darling

- Don't ever let me down

- Love is in motion

- Hey france

- Please, please

2ª cara:

- Changes have begun

- Circles

- Believe me

- Words

- Top of the city

- Down time blooze

- What comes after

- Brother Louie

 

Posiblemente una de las pocas bandas de las que conserve un vinilo viniendo de la "gran manzana", de allí saldrían estos cuatro muchachos con una proyección de duración fugaz, apenas se puede decir que su reunión contó dos años, pero suficiente para que conocieran las mieles del éxito, colocando su hit  'Brother Louie' nada menos que durante un par de semanas en el puesto nº 1 de las listas americanas.

 

Ian Lloyd uno de los fundadores junto a Michael Brown siempre estuvo en desacuerdo con el triunfo del hit, según sus declaraciones el tema en cuestión no era el más indicado para que fueran promocionados en todas las radiofórmulas, eso hizo que su intento por continuar por una senda diferente de la que habían escrito en este Lp se truncara, dando al traste con las intenciones del cuarteto. La fama adquirida les empujó al continuismo que Lloyd no deseaba, el resultado fue un nuevo disco grabado como obligación contractual insalvable,  y la incorporación de nuevos miembros ante el abandono del otro pilar básico Brown.  Una vez que las cosas habían vuelto a su cauce tras la inesperada visita del éxito, Lloyd dio por terminado el grupo y cerró para siempre esta página, STORIES finiquitó su exitencia.

 


Al margen de esto, no es fácil explicar con transparencia la música realizada por la banda. Sus características y potencial se podrían resumir en búsqueda de armonías, sobretodo vocales, obtención de melodías atractivas desde el primer momento, sin saturar, construyendo piezas de minutaje corto. Temas vivos en ritmo, sólidos, y potentes gracias a la guitarra heterogénea Y guerrera de Love, sin olvidar las incursiones a las teclas de Brown que le hacen un perfecto acompañamiento. El complemento de todo hace del sonido un bloque compacto pero a la vez ligero, donde las composiciones son muy variadas, concretas y desenfadadas con adornos proporcionados por breves lucimientos, dentro de un pop-rock sinfónico con toques hard que podría brotar de una coctelera en la que mezclaríamos en partes proporcionales influencias del viejo continente, BEATLES, WHO, ELO  o FACES serían candidatos al combinado que agitaríamos obteniendo una fórmula con semejanza al contenido de STORIES.

 Hasta que no presté atención a los créditos del álbum estuve convencido de que la voz pertenecía a una fémina, Lloyd gasta un timbre que puede pasar por el de una mujer sin problemas, no es el único caso dentro del ancho universo rock. Sus compañeros le arropan en la creación de armonías vocales que se encuentran a lo largo de la obra, y son realmente aconsejables. Lo cierto es que la performance de la voz y la música que le envuelve en muchas ocasiones me trae a la mente constantemente pasajes de CURVED AIR.

Los ataques del piano a cargo de Brown son numerosos y brillantes además de que podemos encontrarlos apoyando la melodía, son una parte clave del entramado, la guitarra explosiva imprime carácter y energía a los cortes llegando a superar la frontera del hard, los arreglos de elaboración minuciosa engrosan el tronco y proporcionan dimensión y la producción de buena calidad le confiere un punto de brillantez y vistosidad.

 


Lo dicho, un trabajo heterogéneo para disfrutar sin pretensiones trascendentales, buena música con un gran nivel en todas sus composiciones deleitándonos con la voz de Lloyd, no hay piezas desechables, ni tiempo para el aburrimiento.




domingo, 4 de julio de 2021

STATUS QUO - Piledriver (1972)

 


Francis Rossi....................Guitarra lider y voz

Rick Parfitt.......................Guitarra rítmica y teclados

John Coghlan...................Batería

Alan Lancaster.................Bajo y voz

 

1ª cara:

- Don't waste my time

- Oh baby

- A year

- Unspoken words

2ª cara:

- Big fat mama

- Paper plane

- All the reasons

- Roadhouse blues

 

Se puede decir que este álbum, el quinto en la abultada carrera del cuarteto y que logró colocarse en el puesto nº 5 de las listas británicas, sería el disparo de salida para comenzar su meteórica trayectoria, que explosionaría obteniendo los mejores resultados en los primeros ochenta, alcanzando un nivel de popularidad como nunca llegarían a imaginar gracias a ciertos temas convertidos en éxitos desde su aparición, que todos recordaremos sonando en la radio a todas horas, alargando la estela victoriosa durante toda la década, siendo ésta su década. Luego ya en los 90 su éxito se empezaría a apagar para ir diluyéndose con los años, aunque siempre serán un referente en el panorama rock y es que todavía siguen en activo tras más de medio siglo.

 



Tal vez el título del Lp sea muy apropiado, puesto que de alguna manera refleja ese rock directo e incisivo impreso en sus surcos. Ya no son unos principiantes, estamos ante un disco guitarrero de pies a cabeza con el que comienzan a forjar el sonido clave que los hará distinguirse, que les otorgará la singularidad de su música, frente a muchas otras formaciones de hard y blues rock. Su sello está más próximo al boogie rock que van a popularizar más adelante hasta la saciedad: ritmos divertidos y rock alegre con la idea de hacer mover los pies y divertir al personal, pero en 'Piledriver'  todavía se resisten a abandonar sus orígenes de rock and roll y bues, aunque la suerte ya está echada.

 


Tras el divertido boogie de "Don't waste my time" baluarte de la onda a explotar, sin apenas tiempo para coger aire recibimos una descarga enmarañada guitarrera de lujo con "Oh baby", uno de mis temas preferidos en el que no hay descanso de principio a fin, todo un tema sólido y denso. Pero no todo es hard rock, también demuestran que su capacidad para componer está en cotas altas de calidad y las melodías desarrolladas son francamente interesantes construyendo texturas con las guitarras de aire 'beatle' (A year) donde demuestran que también son capaces de expresar sentimiento, arropado por cadencias progresivas que junto al bajo producen atmósferas más líricas. Un blues en toda regla cierra la primera cara, "Unspoken words", con aportación de teclados y adornado por el solo de guitarra que nos brinda Rossi, sugerente y comedido, rebuscando en las raíces del grupo nos muestran su lado más purista.

 


Tras el descanso y darle la vuelta al vinilo arrancamos con "Bit fat mama", de nuevo su preferido, el boogie rock a la palestra que junto con Don't waste my time y el siguiente "Paper plane", son las piezas emblemáticas núcleo de su idiosincrasia. punta del iceberg que se cernía, se movían en el terreno con el que más disfrutaban y empezaban a sentirse más cómodos. Más factibles en las radio fórmulas que cualquiera de los anteriores, dirigidas al público con riffs, melodías sencillas y ritmos contagiosos fáciles de memorizar, sonaban bien pertrechados con magníficos solos de guitarra.

La única balada que aparece es "All the reasons" y en su momento se tachó de corte más bien flojo, algo con lo que disiento, muy al contrario creo que es una maravilla que cautiva si se escucha con atención. Guitarras punteadas establecen un pegadizo estribillo que va "in crescendo" a lo largo del tiempo atrapándote con su bella melodía. Creo que podrían haberle sacado más partido a la evolución de esta canción.

 


Para finalizar tocarán rock and roll de altos vuelos realizando un cover de "Roadhouse  blues" de THE DOORS, diferente, a su manera, pero en el fondo fiel al original, con aportación en la harmónica de Bob Young y de Jimmy Horowitz al piano.

 Estaban demostrando que su preparación para atacar cualquier tipo de estilo era más que buena. Pero ellos, el camino a seguir, lo empezaban a vislumbrar.




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