Chris Evans...................PPG
Wave computer, Arp 2600, Vocoder 2000, Sintetizador con circuito
secuencial,....
David
Hanselmann........Voz
-Colaboraciones-
Jürgen
Schroeder.........Guitarras
Roy
Louis......................Guitarra sintetizada y eléctrica
Reinhard
Besser............Guitarra sintetizada y eléctrica
Tissy
Thiers...................Bajo
Dicky
Tarrach................Batería y percusión
1ª
cara:
-
Sunrise-Stonehenge
Theme
-
Salisbury plain
-
The stones of Avebury
-
Earth magic
-
Silbury hill
2ª
cara:
-
Genesis
-
Glastonbury, temple of the stars
-
Cadbury castle, king Arthur's Camelot
-
Epilogue- Stonehenge Theme
En la década de los
70 y más concretamente en su segundo lustro hubo un interés elevado
por asuntos que encierran misterio como los casos de avistamiento
OVNI y aspectos relacionados con ello, culturas arcaicas con
elementos extraños que podían conectar con estas supuestas
civilizaciones extraterrestres (Erik von Daniken, escribió numerosos
libros sobre ello y estuvo en el candelero), las famosas líneas de
Nazca, las ruinas de Machu Pichu, las pirámides y sus enigmas, los
monumentos megalíticos como el de Stonehenge, los moais de la isla
de Pascua, el poder psíquico de la mente, las abducciones, lo
paranormal.....pudiendo enumerar muchas más cuestiones. Quedó
reflejado en libros, en el cine y también en la música se trataron
algunos de estos asuntos.
Este es uno de esos
casos, abordando la temática del misterio que rodean las piedras del
conjunto de Stonehenge, el músico, compositor y productor Chris
Evans compuso un álbum conceptual dividido en títulos que nos
trasladan a la zona del punto crítico y sus alrededores. No será la
única ocasión en que este monumento megalítico haya servido de
inspiración, HAWKWIND en 1984, poco después, dejará volar
sus notas psicodélicas y espaciales, le servirá de escenario para
realizar un concierto en vivo en el que la gente se confunde con las
enormes rocas, una de las pocas veces que se permitirá pisar su
suelo, hoy en día es un territorio protegido donde solo se puede
acceder con ciertos permisos.
Chris Evans
había trabajado para otros, también realizó música para
publicidad, colaboró en la creación de bandas sonoras de films, e
incluso en eventos como el mundial de futbol, inglés de nacimiento
afincado en Alemania coincidió con un estadounidense de origen,
David Hanselmann, que se labró una buena reputación
sobretodo en la escena kraut-prog, hombre polifacético que se
embarcó en proyectos de diversa índole, pero sin formar parte de
ninguna banda. Aquí ofrecerá su voz, pero es curioso que aunque
aparece en el título principal, en los créditos ni siquiera se le
nombra. El mérito es de Chris Evans, pero sería justo que al menos
se reconociera la labor vocal de Hanselmann, los colaboradores y sus
instrumentos se mencionan. El disco ganó el premio al álbum
conceptual en el festival de Jazz de Montreaux, un segundo disco
pondría punto final al dúo.
D. Hanselmann
En la línea de
"Ancient of gods" de PAUL FISHMAN, el
disco entronca en intencionalidad y estructura pero sin el
oscurantismo y épica del primero. Una introducción de teclados con
secuenciadores nos invita a entrar en el mundo mágico, inicio muy
electrónico, nos topamos con unas guitarras acústicas arropadas
por capas de teclados acolchados desembocando en uno de sus mejores
temas, Sunrise, emocionante y lleno de vitalidad con una voz
espléndida convertida en la protagonista de la pieza en una
atmósfera muy positiva. La batería de teclados es muy abundante,
las nuevas tecnologías son aprovechadas y la variación es
constante, sonando de muy distintas maneras, el tecno está en su
punto más alto y eso no pasa desapercibido para nadie. Ambientes
despejados y sonidos espaciales son tónica mientras Hanselmann pone
un torrente de voz que se acomoda a todas las texturas en un juego en
el que conviven los arpegios acústicos elementos más cálidos con
sonidos fríos de los sintetizadores. Música que sin ser
pretenciosa, ni virtuosa especialmente, consigue ser singular
rodeándose de un aura de originalidad que se pierde en los últimos
temas, cortes que le sobran, pasando a un estado casi ¿hard? en una
propuesta 'disco' que parece material de relleno, bajando el nivel de
calidad de otras composiciones.
Chris Evans
Obra curiosa y
ecléctica que goza de buenos momentos en el que es posible encontrar
ritos iniciáticos, cantos místicos y cierta experimentación
electrónica (ARP, VCS3, SONY 80) consiguiendo propagar un
delgado hilo de misterio pero solo en instantes puntuales, careciendo
de la fuerza dramática suficiente para trasladarnos la fascinación
del embrujado lugar.
"En el film Des Garçons et des filles (Étienne Périer, 1967) disfrutan de diez minutos de gloria, apareciendo en una escena en la que vemos a un joven Jean-Michel tocando en una fiesta la guitarra con su grupo, y en donde interpretan dos temas propios: el mencionado Let me take your hands y otro titulado I feel so down.
Junto a su madre
Una vez la banda se disuelve, Jean-Michel intenta formar varios grupos de nuevo, pero no obtiene ningún éxito y al final desiste. Viendo que su madre estaba apurada económicamente -su padre no le mandó ni un céntimo para criar a su hijo desde su marcha-, toca con otros grupos en distintas discotecas de Normandía y St. Tropez para ayudarla y comprar instrumentos."
Chris
Evans...................PPG Wave computer, Arp 2600, Vocoder 2000, Sintetizador
con circuito secuencial,....
David Hanselmann........Voz
-Colaboraciones-
Jürgen
Schroeder.........Guitarras
Roy
Louis......................Guitarra sintetizada y eléctrica
Reinhard Besser............Guitarra
sintetizada y eléctrica
Tissy
Thiers...................Bajo
Dicky Tarrach................Batería
y percusión
...........
1ª cara:
- Sunrise-Stonehenge Theme
- Salisbury plain
- The stones of
Avebury
- Earth magic
- Silbury hill
2ª cara:
- Genesis
- Glastonbury, temple
of the stars
- Cadbury castle, king
Arthur's Camelot
- Epilogue- Stonehenge
Theme
En la década de los 70 y más
concretamente en su segundo lustro hubo un interés elevado por asuntos que
encierran misterio como los casos de avistamiento OVNI y aspectos relacionados con ello, culturas arcaicas con
elementos extraños que podían conectar con estas supuestas civilizaciones
extraterrestres (Erik von Daniken, escribió numerosos libros sobre ello y
estuvo en el candelero), las famosas líneas de Nazca, las ruinas de Machu
Pichu, las pirámides y sus enigmas, los monumentos megalíticos como el de Stonehenge,
los moais de la isla de Pascua, el poder psíquico de la mente, las abducciones,
lo paranormal.....pudiendo enumerar muchas más cuestiones. Quedó reflejado en
libros, en el cine y también en la música se trataron algunos de estos asuntos.
Este es uno de esos casos,
abordando la temática del misterio que rodean las piedras del conjunto de
Stonehenge, el músico, compositor y productor Chris Evans compuso un álbum
conceptual dividido en títulos que nos trasladan a la zona del punto crítico y
sus alrededores. No será la única ocasión en que este monumento megalítico haya
servido de inspiración, HAWKWIND en
1984, poco después, dejará volar sus
notas psicodélicas y espaciales, le servirá de escenario para realizar un
concierto en vivo en el que la gente se confunde con las enormes rocas, una de
las pocas veces que se permitirá pisar su suelo, hoy en día es un territorio
protegido donde solo se puede acceder con ciertos permisos.
Chris Evans había
trabajado para otros, también realizó música para publicidad, colaboró en la
creación de bandas sonoras de films, e incluso en eventos como el mundial de
futbol, inglés de nacimiento afincado en Alemania coincidió con un
estadounidense de origen, David Hanselmann, que se labró una
buena reputación sobretodo en la escena kraut-prog, hombre polifacético que se
embarcó en proyectos de diversa índole, pero sin formar parte de ninguna banda.
Aquí ofrecerá su voz, pero es curioso que aunque aparece en el título
principal, en los créditos ni siquiera se le nombra. El mérito es de Chris
Evans, pero sería justo que al menos se reconociera la labor vocal de
Hanselmann, los colaboradores y sus instrumentos se mencionan. El disco ganó el
premio al álbum conceptual en el festival de Jazz de Montreaux, un segundo
disco pondría punto final al dúo.
Chris Evans
En la línea de "Ancient of gods" de PAUL
FISHMAN, el disco entronca en intencionalidad y estructura pero sin el
oscurantismo y épica del primero. Una introducciónde teclados con secuenciadores nos invita a
entrar en el mundo mágico, inicio muy electrónico,nos topamos con unas guitarras acústicas
arropadas por capas de teclados acolchados desembocando en uno de sus mejores
temas, Sunrise, emocionante y lleno
de vitalidad con una voz espléndida convertida en la protagonista de la pieza
en una atmósfera muy positiva. La batería de teclados es muy abundante, las
nuevas tecnologías son aprovechadas y la variación es constante, sonando de muy
distintas maneras, el tecno está en su punto más alto y eso no pasa
desapercibido para nadie. Ambientes despejados y sonidos espaciales son tónica
mientras Hanselmann pone un torrente de voz que se acomoda a todas las texturas
en un juego en el que conviven los arpegios acústicos elementos más cálidos con
sonidos fríos de los sintetizadores. Música que sin ser pretenciosa, ni
virtuosa especialmente, consigue ser singular rodeándose de un aura de
originalidad que se pierde en los últimos temas, cortes que le sobran, pasando
a un estado casi ¿hard? en una propuesta 'disco' que parece material de
relleno, bajando el nivel de calidad de otras composiciones.
Obra curiosa y ecléctica que
goza de buenos momentos en el que es posible encontrar ritos iniciáticos,
cantos místicos y cierta experimentación electrónica (ARP, VCS3, SONY 80) consiguiendo propagar un delgado hilo de
misterio pero solo en instantes puntuales, careciendo de la fuerza dramática
suficiente para trasladarnos la fascinación del embrujado lugar.
Hombre que ha paseado a lo largo
y ancho del planeta su nombre abanderando la música electrónica, defendiendo
los colores de su bandera, la griega.Todavía en activo tiene un extenso currículum en su haber, bastante
desconocido para la mayoría de la gente, que lo recuerda sobre todo por poner
banda sonora a muchas películas que han sido de dominio público. El séptimo
arte le ha dado muchas alegrías, apasionantes films han sido elevados a
peldaños superiores dentro de la industria, gracias a su espléndida dotación
para crear las ambientaciones precisas que visten imágenes, de tal forma que
quedan en la memoria de los espectadores esos momentos culminantes en las que
se produce una comunión perfecta entre sonido e imagen. Su popularidad llegó a
lo más alto en los primeros años ochenta, cuando se encargó de engalanar obras
del calibre de "Carros de fuego" y "Blade Runner"
ganando premios de la academia de los Oscar por su magnífica labor.
No es la
primera vez que su nombre aparece aquí, ya surgió al hablar del grupo APHRODITE'S CHILD, donde despuntó ya
junto a otro grande de las tierras helenas y también conocido como DEMI ROUSSOS. Demostró que su talento
con la composición y su aptitud con las teclas era importante, y si seguía
adelante podía realizar una brillante carrera, y así fue. Después de abandonar
la banda que le vio nacer, continuó su carrera en solitario encargándose de
todo el trabajo de los instrumentos, inclinándose por la música ambiental y
electrónica llevada a cabo con sus teclados. En mi opinión es uno de los
músicos que mejor ha sabido trasladar a las partituras su vida interior, sus
pensamientos, sus preferencias y algo muy valorado, sus raíces. Se trata de una
persona muy unida a su tierra, amante de su país, su clima,sus valores, algo que va a plasmar de alguna
manera en sus composiciones, obras preferentemente volcadas hacia la
electrónica pero siempre con un toque cercano, humano y con detalles de
elementos de la vida que él conoce o ha conocido, nunca olvida su raigambre
dejándolo patente en innumerables ocasiones. Incluso cuando aborda trabajos
inspirados en otras culturas, intenta impregnar su música de forma que las
tradiciones, las costumbres de aquellos lugares queden reconocidas, una forma
de mostrar su respeto ante otros universos.
Los primeros
años y trabajos bajo su apodo son realizados sobre esa perspectiva, una mezcla
de sonido popular y electrónico, pero llega el día en que deja su querida
tierra mediterránea y se embarca para desplazarse al centro neurálgico del rock
en Europa por aquel entonces, Londres. Allí conocerá a gran cantidad de gente
de todo tipo, pero en más propensión del mundo de la industria musical, eso
supondrá influencias y aprendizajes para el bonachón de Vangelis. De hecho
comienza una nueva etapa, ya que su siguiente long play "Heaven and hell"
aunque sigue manteniendo ese aire campero, se vuelve más técnico y en
consecuencia más frío, una tendencia que sigue acrecentándose con "Albedo
0.39" donde su disposición a nuevos teclados y sintetizadores y su
interés por las nuevas tecnologías al alcance es ya un hecho. La electrónica
está entrando en su cabeza y en su corazón.
Y llegamos a
"Spiral",
el álbum clave de esta crónica que supondrá la obra más electrónica del autor
griego sin lugar a dudas, y que ya nunca repetirá con esa actitud, porque el buen
músico se caracteriza por su heterogeneidad, es decir, no suele repetirse en la
composición y su estilo, o al menos eso ha intentado siempre, aunque cada vez
lo tiene más difícil, logrando un extenso abanico multicolor a lo largo de su
trayectoria. Abraza definitivamente las nuevas posibilidades de elementos como
los secuenciadores, osciladores, sintetizadores digitales y más cachivaches,
con ellos va a labrar un disco que se acerca a la ciencia-ficción, con un uso
intensivo de electrónica. Me atrevo a decir que su concepción estuvo
influenciada por el trabajo de JEAN MICHEL JARRE en su ópera prima,
y en particular con el uso de los secuenciadores, pero eso es de mi cosecha,
opinión personal. Hasta el diseño de la portada está realizada por Vangelis,
que no puede ser más explícita en su idea cubriendo una obra conceptual
inspirada en el filósofo Tao,
explorando la naturaleza del universo en movimiento espiral.
Despega los
pies del suelo nada más iniciarse con el homónimo tema Spiral, construido sobre
un arpegio de 3 notas que se repite secuenciado durante gran parte de la
duración de la pieza con tonos épicos que le dotan de trascendencia con
cadencias ascendentes y descendentes haciendo efecto de espiral. La interacción
de gran cantidad de teclados secuenciador y osciladores que presenta, sorprende
al no ser usual ese sonido tan compacto y artificialen sus discos. El tema tiene peso, cuerpo,
ritmo y un desarrollo futurista que lo convierte en una pieza apreciable de
principio a fin. El ambiente calmado y recogedor regresa de la mano de Ballad,
pone de nuevo los pies en el suelo incorporando voces (las suyas) tratadas por
filtros con reverberación incluida, a modo de canto de ballena, algo que no
había sucedido hasta ahora, sin letra, simplemente una sucesión onomatopéyica
sin traducción posible. Vuelven las características atmósferas cristalinas,
delicadas, tenues, algodonosas, marca de la casa, que parece que se deshacen
como torbellinos de humo combinadas con interludios épicos, apabullantes
regidos por una armónica sintetizada. Nuevamente nos sobresaltamos con el
inicio de Dervish-D, no nos tiene acostumbrados este señor a la violencia
en el arranque, o al menos no tan pronto. Melodía de tintes orientales parecen
escucharse en profundo, cimentado sobre una base compositiva rock y un
secuenciador que nos acompaña prolongadamente. En una concepción muy similar a
Spiral, me recuerda en cierto sentido a "Choronzon"
del Lp Exit de TANGERINE DREAM,
con un sonido más inteligible alejado de la experimentación, que le confiere
rotundidad y compactación.
La cara B
está ocupada por dos temas solamente de cierta duración, el primero To
the unknown manes un corte
que recuerda mucho a su Lp antecesor
Albedo 0.39, donde podría encajar, una pieza sensible de atmósferas a las
que nos tiene acostumbrados, alfombradas por teclados suaves y lineales que
parecen desvanecerse, pero con una secuencia en primera línea grave y pulsante.
Nuevamente hace acto de presencia la esencia épica, trascendentalista,
acrecentada cuando entran las baterías de marcha militar en juego conduciéndonos
al nirvana, repitiendo la melodía hasta que se produce un giro de fase donde la
batería arranca y los tambores callan, con un estupendo final. El álbum se
cierra con 3 + 3 donde recurre de nuevo al secuenciador en un loop
vertiginoso que le adjudica un ánimo mecánico. Los teclados ambientales fluyen
en diversas capas arropando la melodía y en una segunda mitad se hace muy
sintetizada con especial protagonismo del yamaha que acompaña en toda la obra,
con ecos y reverberaciones como efectos destacados y aparecen también secciones
de metales y timbales que proporcionan una sensación épica categórica.
Sublime
trabajo que raya a un nivel que en mi opinión no volverá a obtener más que en
contadas ocasiones, con un carácter electrónico que no se repetirá ya hasta el
punto al que llegó aquí.
Russ
Walker...............Voz principal, teclados, guitarra, flauta y grabaciones
Larry Stanley..............Piano
Gerry Fielding............Batería
Ken
Miskov................Bajo
1ª cara:
- Heads in the sky
- Survive
- Three isle my land
- Atomic energy sweet
2ª cara:
- On my way to freedom
- Atlantis lies
- Golden morning
- Heads in Rio
Oriunda de Ontario, Canadá, llega
esta banda muy poco o nada conocida, con solo dos vinilos en su historia. Poco
antes del trabajo a comentar habían dado su primer paso debutando a través de
un formato EP, sin levantar pasiones. Este último y homónimo álbum fue lanzado
sólo en su país de origen, Alemania, Japón y Holanda por razones desconocidas,
lo que hacía más complicado si cabe, conseguir un cierta prensa y difusión,
algo que no les vendría mal en aquel momento. En pleno auge de la nueva ola y
del tecno-pop la propuesta de HEADS IN THE SKY seguramente no tenía el
seguimiento deseado, apareciendo en escena más bien de puntillas, no obtuvo reconocimiento.
Russ Walker, alma mater, protagonista
absoluto y artífice de toda la enjundia de las composiciones, siendo también
quien se ocupara de la producción, no consintió continuar en la brecha con el
grupo y se dio por terminado tras este disco de cabezas flotantes que asemejan
algún tipo de nave. Y es que su sonido se ha considerado incluido dentro de
materia electrónica, inserta en una funda cuyo aspecto quiere reflejar el
futuro que está llegando al mundo, fruto de la informática y las computadoras. Pero
no estoy tan seguro de que sea así. Una vez escuchado al completo, el inicio es
prometedor y despegamos en una de las cabezas con destino desconocido, los
secuenciadores y osciladores hacen presencia junto a teclados varios,
transcurridos unos minutos todo se diluye y aparece lo que será la tónica
general, un rock sinfónico sofisticado que me recuerda enormemente alos ALAN
PARSON'S PROJECTde álbumes de su
era dorada "I robot",
"Pyramid" o incluso "Eye
in the sky".
Las composiciones, todas ellas
sencillas, tienen una producción impoluta, suenan correctas, perfectas y
también cuentan con esa vena pseudo-romántica de los ALAN PARSONS,están arropadas por
buenos teclados y guitarras, muchas de ellas acústicas con un sonido
transparente y cristalino y en otras con eléctricas que pueden llegar a
endurecerse en algún caso. El caso es que la sensación que se transmite es de
perfección y sonido limpio. Temas que entran fácilmente , son bonitos y
agradan, pero les falta algo más de chispa y brillantez, terminan por resultar
repetitivos, algo que choca con esa condición electrónica que se les presupone
y que debería ahondar más bien en experimentación, búsqueda de horizontes u
originalidad, conceptos que no consigo hallar entre sus surcos.
Interesantes sin más, pero no
terminarán de calar. Tal vez sea la explicación a su poco éxito. Su último
corte Heads in Rio pone fin al viaje
con ritmo de salsa brasileña remozado de teclados electrónicos, pero no hemos
logrado salir más allá de la atmósfera terrestre.
Klaus
Schulze.....................Órgano, sintetizadores, teclados, secuenciadores,
moog
Harold Grosskopf..............Batería
1ª cara:
- Floating
2ª cara:
- Mindphaser
Uno de los bastiones del rock y
krautrock electrónico de los 70 esparciendo influencias a músicos venideros
junto a otras bandas de la misma estirpe como TANGERINE DREAM, KRAFTWERK, AMON DÜÜL, etc. Perteneciente a la
escuela de Berlín como sus compañeros T. DREAM tuvo la gran oportunidad de
ingresar en sus filas firmando el debut "Electronic
meditations", después de grandes devaneos por incontables formaciones de todo tipo .
Tras el debut de los "mandarina"
salió sin dilación para convertirse en co-fundador de otro grande de la
corriente experimental y electrónica del país teutón, ASH RA TEMPLE , junto a otro de los grandes dentro de la esfera
alemana, Manuel Göttsching. Su
constante inquietud supondría un periodo de corta duración también en la banda
al no coincidir con las ideas a seguir que tenía proyectadas. Definitivamente
formaría su propio grupo a imagen y semejanza.
Su música tiene un gran
paralelismo con estilo de sus antiguos amigos T.D. La filosofía de su sonido a
la hora de utilizar los medios es muy semejante y palpable pero no se puede
decir que sean idénticos. La electrónica que desvela "Moondawn" está concentrada en dos únicas suites, ocupando una
cara del vinilo cada una de ellas. Ambos extensos temas se construyen acumulando
capas de teclados y sintetizadores a modo de cebolla en una dinámica muy lineal
sin apenas melodía ni altibajos, algo que se nos antoja un poco largo. Llega
una fase que supone un punto álgido de la composición, un máximo de confluencia
de sonidos y melodías minimalistas a partir del cual todo empieza a descender
indicativo de que el tema no da más de sí, las capas se van quedando por el
camino hasta alcanzar un hilo terminal similar al de inicio, cerrando un
círculo. La vida y latido de la obra se queda a cargo de los secuenciadores con
bucle repetitivo que se insertan en buena parte y en los que la tonalidad varía
mínimamente.
Es un proceso que podemos
atribuir tanto a "Floating"
como a "Mindphaser" que
atraviesan parcelas que recuerdan irremediablemente a lo que se hacía en
TANGERINE DREAM.
Una peculiaridad que lo diferencia es el uso de
batería o percusión manual, olvidándose de pregrabaciones o baterías
electrónicas. Ese es un rasgo que siempre me ha gustado, creo que dota a las
composiciones de una cierta calidez, o alma, que lo hace más cercano, evitando
parcialmente la frialdad de los sintetizadores, secuenciadores y demás cachivaches. En este caso la batería corre a cargo deHarold Grosskopf al que hay que reconocerle un gran trabajo, importante y nada fácil
Bo
Hansson.......................Órgano, guitarra, bajo, sintetizadores
Sten Bergman...................Flauta
Gunnar
Bergsten..............Saxo y flauta
Rune
Carlsson...................Batería, congas y percusiones
Pelle Ekman......................Batería
Göran
Freese....................Saxo
Owe Gustavsson.............. Bajo
Kenny Hakansson.............Guitarra
Bill
Öhrstrom....................Congas
Bobo
Stensson..................Piano eléctrico
1ª cara:
- The city
- Divided reality
- Elidor
- Before the rain
- Fylke
-Playing downhill into
the downs
2ª cara:
- Findhorn's song
- Awakening
- Wandering song
- The sun(parallel
or 90º)
- Excursion with complications
Compositor sueco bastante
desconocido dentro del panorama del rock sinfónico e instrumental en general,
que cuenta con el galardon de haber sido el primero en hacer un disco
conceptual basado en la novela de "El señor de losanillos", allá por el año 1972, lo que le
valió un cierto reconocimiento a nivel
mundial que con el paso del tiempo fue difuminándose para quedar
nuevamente en un anonimato relativo. Cuenta con un puñado de discos, todos
ellos con un nivel de calidad compositiva más que notable, pero la enfermedad
no entiende de éxitos o fracasos y el genial nórdico fue victima de una rápida
degeneración, que lo dejó incapacitado terminando sus días todavía joven.
Afortunadamente nos dejó
trabajos mágnificos como éste, una obra que vió la luz antes que su éxito
mundial, pero que saldría en formato inglés un año después, pleno de
colaboraciones e instrumentación variada encierra una fusión cultural expresada
bajo una atmósfera mágica de espíritu minimalista.
Sucesión de temas instrumentales
breves en su mayoría, apenas alcanzan los 2 minutos con finales abruptos, se
encadenan sin silencios intermedios de manera que adopta un formato similar a
la banda sonora de una película. El contraste entre las distintas fases
asociadas es una característica general del álbum pasando de pasajes bucólicos
y pastorales sin dilación a escenas más oscuras. La ambientación instrumental
habría que definirla como sútil, música muy rica en matices y pequeños detalles
que vamos percibiendo con el paso de las escuchas. Gran diversidad de sonidos
que se van incorporando dependiendo del fragmento en que nos encontramos, donde
abunda la sección de viento, elementos de cuerda y un universo de percusiones,
escuchando una batería de trabajo estupendo, y por encima los teclados tiene la
última palabra.
Se podría decir que practica un
soft rock con regusto psicodélico y con instrusiones dentro del jazz y el
sinfónico, construyendo estructuras en algunos momentos muy estáticas típicas
de la música electrónica de la época.
Su sonido podríamos compararlo
al de grupos como DEODATO, MOODY BLUES
o incluso JADE WARRIOR con algunos
elementos de experimentación comunes en
formaciones pertenecientes al Krautrock.
Jean M. Jarre..........................Órgano,
sintetizadores, teclados, farfisa, mellotrón, programación rítmica.
1ª cara:
- Oxygene I
- Oxygene II
- Oxygene III
2ª cara:
- Oxygene IV
- Oxygene V
- OxygeneVI
Jean Michel, francés, hijo del
que sería famoso compositor para películas de gran envergadura en Hollywood, Maurice Jarre, al principio siguió un
poco los pasos de su padre. Sus primeros escarceos con la electrónica recaerían
en piezas cortas para anuncios y cuñas. Experimentación por los 4 costados,
nada que se le parezca a su posterior trayectoria. Tras un buen montón de
rarezas consiguió dar música a un film, algo que paso bastante desapercibido
pero que significó de alguna manera su debut en el ruedo. Hasta que se sentó en
el cuarto de estar de su casa rodeado de aparatos electrónicos de toda clase, y
la lió parda, dando lugar a un engendro maravilloso y artesanal que todavía tiene
vigencia. Un revulsivo dentro del mundo de la música electrónica que supone una
nueva vía, un nuevo formato lejos de la escuela alemana que sentaba cátedra ya
hacia unos años.
"Oxígeno", es como
dice "un balón de oxígeno".
Una forma distinta de afrontar la electrónica que al igual que la doctrina
alemana, también recoge de alguna manera una forma de sentir de la sociedad.
Así como los germanos estaban anclados en la oscuridad, la obsesión, la
mecánica, como reflejo de un país que tiene que salir adelante, olvidar,
reconstruir, asumido en las vidas de sus músicos desde niños, Jean Michel
también nos muestra esos años de contacto con los emigrantes de las colonias
del Magreb de su infancia y juventud traducido en ritmos y sonidos de raíz
étnica que inserta (Oxigeno V y VI)
dentro de sus composiciones, en los años 80 todavía será más explicito en su
álbum "Revolutions"
La música de este Lp es muy
ambiental , envolvente, fresca. Consigue transmitirnos la idea de expansión, espacios
abiertos, limpios, sensaciones gratificantes, con el sonido del mar como
elemento que fluye a lo largo de toda la obra. Sus influencias entroncan con
autores clásicos (Bach), con coetáneos como VANGELIS y con sonidos de raíz árabe. Por supuesto para lograrlo
utiliza todos los instrumentos puestos a disposición en el mercado:grabadoras, programadoras, osciladores, etc.,
creando los típicos bucles y pregrabaciones.
El acercamiento a sonidos más
accesibles es evidente. Las melodías son fácilmente reconocibles pero están
envueltas en una masa esponjosa en constante movimiento que le otorga esa
performance interesante y atractivo que te atrapa. De hecho "Oxigene IV", que es la parte más
conocida, apareció como single, y le valió para salir del anonimato con una
gran aceptación. El origen latino de su
persona pesa y se demuestra en los ritmos escogidos, opuestos a la frialdad y
falta de alma de las piezas de grupos como TANGERINE
DREAM, KLAUS SCHULZE, ASH RA TEMPLE, etc.
La experimentación o tal vez
improvisación no llega a las cotas de los Teutones. Jean Michel indaga más bien
en buscar como plasmar sus inquietudes, en hacer partícipe al espectador, en
comunicar, en conectar. Para ello elige estados que nos son reconocibles. En
"Oxigene VI", el último
episodio, nos muestra un mar de olas agitadas que van y vienen, cada vez más
profundo, hasta conseguir que ese vaivén se convierta en una inspiración y
expiración correspondientes a la respiración humana.
Se puede catalogar de obra
conceptual, que se convertirá en inspiración para muchos otros músicos dentro
de la disciplina.
Edgar Froese.......................Guitarra,
sintetizadores, mellotrón, VCS 3
Chris Franke........................Mogg,
sintetizadores, VCS 3, teclados, percusión
Johannes
Schmoelling.........Sintetizadores, teclados, piano
1ª cara:
- Quichotte part 1
2ª cara:
- Quichotte part 2
Grupo mítico donde los haya y
precursor absoluto de la electrónica progresiva junto aotros coetáneos alemanes a finales de los
años 60.Comenzarán una corriente muy
vanguardista dentro del rock, con una discografía tan extensa que se pierde en
el horizonte, y que servirá para muchas bandas de referencia ypunto de partida a lo largo de las décadas
venideras.
Aunque "Pergamon" es
un álbum que se publica en 1986, lo cierto es que incluye un concierto
realizado en la antigua República Democrática Alemana (DDR) en el año 1980 que
fue publicado allí con el título de "Quichotte". Los trabajos en vivo
de T.D. no son hasta entonces un compendio de sus mejores obras pertenecientes
a lp's de estudio, sino que en la mayoría de los casos son auténticamente
originales y muestran creaciones nunca oídas hasta ese momento, discos como
"Ricochet", "Logos", "Poland" son obras en
directo inéditas que lo avalan.
"Pergamon" no es
exactamente inédita porque parte de melodías ya existentes que derivan hacia desarrollos
improvisados y experimentación, lo que lo convierte en prácticamente nuevas
creaciones. Se trata de uno de los primeros trabajos en los que participa su
nuevo integrante J. Schmoelling que acaba de ingresar en la banda ese mismo
año, que tiene la difícil tarea de sustituir a Peter Baumann, todo un baluarte,
y superar el bache de sus 2 últimas publicaciones,con la participación de Steve Joliffe y Klaus
Krieger, injustamente tratadas por la crítica musical de aquel país.
En mi opinión este trío que se
forma, comenzará desde su inicio la época de mayor creatividad e innovación
hasta hoy día, puesto que todavía siguen en activo con otra formación, que ya
nada tiene que ver con la de entonces. Sin embargo muchos seguidores acérrimos
desde su primer lp piensan que T.D. murió tras su álbum "Phraedra"
(1974) o tras la partida de Peter Baumann (1977).
Schmoelling viene a traer aire
fresco al proyecto, es vibración, movimiento, latido, removiendo los cimientos
que estaban muy asentados, construidos sobre sonidos fríos, introvertidos,
sombríos, cerebrales, música lineal en exceso que abunda en el desasosiego
visceral contagiado por el pesimismo de la posguerra. Schmoelling aterriza para
romper ese status que parece la seña de identidad del rock alemán, su personalidad
influirá de forma directa al seno de las composiciones quitando peso, densidad,
generando atmósferas aperturistas, positivismo, ganando ritmo, variedad y
colores vivos en contraposición a los tonos grises que imperaban.
"Pergamon" todavía
arrastra ese bagaje que lo precede, Schmoelling es un recién llegado y aún está
aprendiendo a conocer el grupo, no se observa con claridad la evolución hacia
estructuras más flexibles muy patentes en "Exit" (1981), un vinilo
que da el salto, un giro importante de la concepción de T.D. que abordará
ritmos y melodías más concretas y fáciles de recordar acercándose incluso a las
listas de éxitos con un tema semi-comercial.
Froese es el fundador, creador y
constructor de las melodías principales, quien organiza la distribución. Franke
es el hombre inquieto que busca y explora sonidos, intentando que el bloque
principal se alimente de elementos originales y secuencias nuevas. Schmoelling
pone la rítmica, la viveza, la agitación a través de sus teclados y los sonidos
pregrabados.
En la primera parte de
"Quichotte" la ambientación es todavía muy oscura, el tenebrismo
planea dominando los lances electrónicos, pero el trabajo es soberbio,
diversificado y rico en matices, progresivo y en constante movimiento, tratando
de dejar atrás las tinieblas. Sin embargo cuando le damos la vuelta al disco, en
la segunda parte se produce un cambio reseñable. El ritmo desde el principio se
hace vivo y el sonido gana en calidez, provocado en mayor medida por la
guitarra de Froese, que entra en acción por vez primera. Desaparecen las brumas
y la música fluye más limpia y palpitante, los sintetizadores trabajando en una
misma dirección, en una misma línea musical dan cuerpo y potencia dando lugar a
una melodía contundente que ya no abandonará hasta el final. Sonido más
armónico, alegre, vital, integrado con
unas secuencias pregrabadas aceleradas y ricas en ritmo que imprimen al
conjunto dinamismo y sensaciones positivas.
"Pergamon", entre
otros, representa para TANGERINE DREAM, el fin de una época y la transición
hacia una nueva visión de su música.
Steve Braund............Secuenciador
ARP, sintetizador ARP, KORG y saxofón procesado
Colin Butcher............Batería,
percusiones y sintetizadores
Geoff Green...............Piano,
órgano, sintetizadores, mellotrón, instrumentos de cuerda
1ª cara:
- Colossus
- Eclipse
2ª cara:
- Medusa
- Raga in Asia Minor
Del otro lado del globo nos
llega otra banda australiana que practican un progresivo muy electrónico, hasta
tal punto que llegaron a denominarlos los "Tangerine dream
australianos", debido a sus fuertes referencias y semejanzas causada por
la corriente establecida por el trío alemán. Su carrera nada tendrá que ver con
la de los Germanos, bastante corta, con
altibajos y con el fruto de apenas 4 Lp's; "Colossus" es el más
destacado de ellos, donde darían lo mejor de sí mismos en un momento muy difícil
y tardío, cuando este sonido está fuera de los círculos comerciales, si es que
estuvo en algún momento. Su música está llena de influencias de los grandes de
la electrónica de los 70, TANGERINE DREAM fundamentalmente, pero también K.
SCHULTZE, ASH RA TEMPLE y otros grupos pertenecientes a la línea del Krautrock
alemán.
Se trata de un álbum
absolutamente instrumental, donde muestran con contundencia desde el primer
momento el arsenal de sintetizadores, secuenciadores y otros aparatos que
contiene su proyecto. Melodías que se alejan del purismo electrónico primigenio
más alienante e hipnótico, para ofrecernos unas descargas potentes de todo tipo
de teclados a través de desarrollos cambiantes, en los que las composiciones no
entran en bucles extensos y lineales, pero sí en otros muy característicos. No
obstante hay una evolución constante hacia otros paisajes, dibujándose
cabriolas que se retuercen en el aire a través de los sintetizadores,
confiriendo a los temas un dinamismo que los hace atractivos.
La batería que en la mayoría de
los casos no está pregrabada, como ocurría en muchos grupos de la onda
electrónica lleva una labor inmensa,
pero se agradece. Siempre he preferido el sonido de batería artesanal a
cualquier otro hecho por máquinas.
La novedad sobre otras bandas
electrónicas es la introducción de saxofón en plena vorágine o clímax
instrumental recordando en algún instante a VAN DER GRAAF GENERATOR en sus
momentos más delirantes en los que se desataban creando un caos que no sabíamos
donde acabaría.
Las caras del disco son
diferentes una de otra, mientras la primera es bastante progresiva, la segunda
presenta un cuadro mucho más electrónico y frío. Sólo 4 temas nos da una idea
de la extensión de ellos, 2 por cada lado.
Es en el lado B donde encontramos material configurado principalmente
con secuencias que suponen el armazón de la trama en la que se plasman
elementos diversos que transmiten espacios dramáticos, incluso apocalípticos,
en los que se llegan a observar desarrollos "hard" a modo de arpegios
de guitarra pesada.
Música densa, con derroche
absoluto de instrumentación, cargada de vatios; energía en estado puro que hará las delicias
de los fans de la electrónica de aquellos años de exploración sonora.