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sábado, 3 de febrero de 2024

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL – Creedence Clearwater Revival (1968)

 


Tom Fogerty.....................Guitarra rítmica y coros

John Fogerty.....................Guitarra principal y voz principal

Doug Clifford....................Batería y coros

Stu Cook...........................Bajo y coros


1ª cara:

- I put a spell on you

- The working man

- Suzie Q

2ª cara:

- Ninety nine and a half

- Get down woman

- Porterville

- Gloomy

- Walk on the water


Cuando a finales de los 60 el rock estaba entrando en una nueva dimensión, más tecnificado y con una visión más amplia en la composición, en la costa oeste de EEUU el mundo hippie se había adueñado de gran parte del ambiente social, y también musical. Primaba lo natural, lo auténtico, lo puro y sobretodo el consumo de sustancias psicotrópicas, todo ello dirigido a situarse en contra de la sociedad vigente y sus estrictas normas, y el rock iba a participar ampliamente en esa cruzada. Unos y otros lo harán por formulas diferentes. Una de ellas es buscar las raices en todos los sentidos, y esta es la que adoptan los chicos de la Creedence.


Nacen en California en 1967, y llegarán a convertirse en poco tiempo en una de las bandas más populares e influyentes a nivel mundial. Corto periplo vital (1967-72), su música se basa en las raíces del movimiento, alteradas por otros elementos fundamentales como es el blues, y la música popular de su país. A ello hay que añadir también una parcela psicodélica, que está por todas partes en el momento en que surgen. De hecho su estilo se denomina como Roots Rock, traducido Rock de raíces.


Nada más comenzar su andadura, se les propone grabar un long play, pero para hacerlo debían cambiar su nombre (The Golliwogs) por otro más llamativo, como ninguno de los miembros comulgaba con él, no fue ningún impedimento, asi que se quedaron con el definitivo C.C.R.. En 1968 todos habían terminado el Servicio Militar , que en esa época no era profesional, y sí obligatorio. Por fin volvían a estar juntos sin obstáculos por el camino, abandonaron sus trabajos en pos del grupo y se embarcaron en un calendario de ensayos y conciertos por todos los clubes de la región. El epónimo Lp ganó la atención de la crítica musical en la bahía de San Francisco y Chicago, apoyando en las radio formulas con la versión Suzie Q original de Dale Hawkins en finales de los 50.



Las composiciones corrían a cargo de John Fogerty, el hermano más creativo, que manifestó que la participación en el festival de Woodstock en 1969 fue un desacierto debido a su inclusión a las 3.30 horas de la madrugada, cuando apenas había público. La actividad de la banda fue vertiginosa, en menos de 1 año habían grabado 3 discos de larga duración, algo inaudito entonces. De esta manera, estaban preparados en 1970 para comenzar una gira por Europa. La respuesta del viejo continente fue muy entusiasta y el éxito comercial en EEUU y el resto del mundo fue reflejo de la gran popularidad que obtenian. La leyenda estaba empezando a escribirse.

En su 5º redondo, Cosmo's Factory, John Fogerty se había interesado por otros instrumentos: Dobro, teclados y saxofón, también por el uso de armonías vocales más elaboradas y por trucos de grabación. Fue el vinilo más vendido por la banda. A partir de ahí comienzan las tensiones dentro de la agrupación. Demasiados conciertos, incesantes giras y entremedias las grabaciones de estudio. John Fogerty había tomado las riendas de los asuntos comerciales y artísticos y el resto no estaban de acuerdo con su labor. Querían mayor representación en las composiciones, pero John era testarudo y declaró que una participación democrática acabaría con el éxito de la banda. Un duro comentario que a la larga podría decirse que le daría la razón.

A partir de ahí, las cosas empezaron a empeorar. La música perdió el rumbo y su sonido propio fue eliminado, pero las diferencias personales habían abierto brechas irreconciliables y a pesar del éxito que todavía mantenían, Tom fue el primero en abandonar. John continuó acordando un trabajo democrático pasando a ser el guitarra rítmico en los temas de sus compañeros. Tras Mardi Gras, último álbum de 1972, se inició una gira a pesar de la pobre recepción del álbum. Terminada la gira se anunció la disolución.


A la Creedence se le reconocía instantáneamente, su peculiar sonido era único, y contando con la voz desgarrada de John Fogerty aún estaban más claras sus señas de identidad. En este primer disco con el que arranca la historia de la banda se forjan ya las características musicales que lo definirán practicamente hasta el final. Nada más oirlo observamos que desprende autenticidad, rebeldía y energía. Tiene una base de blues sobre la que trabajan elementos de country, también añaden tendencias del momento como era la psicodelia que estaba en pleno apogeo, pero ya en menor medida.

Todo se centra principalmente en las guitarras de los hermanos Fogerty. John se encargaba del peso de los solos, muy enérgicos a la hora de acentuar el blues con licks numerosos, vibratos e incluso se escuchan picks, sin dejar descansar las cuerdas las remueve sin cesar vigorosamente, perfecto para acompañar la voz desgañitada, resultando un binomio brutal, un chute de fuerza capaz de acelerar al personal en nada de tiempo. Tom también a la guitarra se ocupaba de llevar un patrón constante con la rítmica creando un muro típico de su sonido con rasgueos en batería. Todo el conjunto construía una fórmula firme y sin resquicios, sin aditivos, tal como se mostraban en público, sin arreglos apenas, sin recursos técnicos para adornar, rock de raíces sin más, consiguiendo cercanía y pureza ante sus fans.

Sin duda la estrella del álbum es Suzie Q, un tema realmente largo con un sonido muy mecánico en la guitarra, repitiendose como un mantra, hipnótica de principio a fin, conectamos con ella llevando el ritmo con el pie o la cabeza. En otras piezas Fogerty nos deleita a la guitarra con distorsiones y pasajes psicodélicos en boga, también aparecen guitarras acústicas , algún coro que otro, pero en menor medida, pero sobretodo es el ritmo potente que ofrecen el que llama la atención con una rítmica machacona, que semeja el rasgueo del banjo en alguna ocasion. En ciertos instantes se producen pasajes en los que la voz calla y deja paso a la instrumentación, que es llevada a extremos terminando en finales improvisados.

El disco termina con Walk on the water, una suite donde se nos entrega uno de los mejores trabajos a la guitarra, secundado con un bajo magnífico. Se trata de un montón de temas sólidos demostrando el potencial que hay en su gente. Un sonido directo al corazón que no esconde sorpresas con el que nos sumimos al escucharlo en los inmensos campos de cultivo de Norteamerica, con sus gentes y sus anhelos.



Seguramente para todos aquellos que disfrutan de la música fuera de las radiofórmulas habituales y populares, no estoy descubriendo nada. Esta es una banda de referencia para todo aquel que ame el Rock.








viernes, 23 de septiembre de 2022

TRY - Just a try (1980)

 


Michael Lapp.....................Teclados, guitarra acústica y eléctrica, mandolina

Amadeus Reineck...............Guitarra, sitar y mandolina

 

Colaboraciones:

Caroline McCombs..............Voz

Dieter Bauer.......................Bajo

 

1ª cara:

- Introduction (just a try)

- Wreck on the wire

- Roswithas' baby

- Immovableness

2ª cara:

- B. Baggins

- Last feather

- Anna's dream

- Monte Christo

- With a little help from Zacharias

- Move

- Just another try

 

Mala, muy mala suerte la de estos chicos, en un principio intentaron crear un grupo de folk-rock que no dio lugar a nada, pasando totalmente desapercibidos terminaron con la misma pasividad con la que habían surgido. Entonces decidieron probar suerte, pero introduciendo elementos más pesados del Krautrock, puesto que son alemanes. La idea es fortalecer las creaciones acústicas con sonidos generados por la electrónica inspirándose en toda la corriente que se había creado en los 70 y continuaba muy estable de cara a los 80.

 

La influencia de la escuela de Berlín es más que notable, como iremos descubriendo conforme escuchemos el disco. También se introducirá la guitarra eléctrica que tiene sus instantes de protagonismo, usada a modo de teclado en sus formas muy similares a las utilizadas por Edgar Froese. La percusión no existe, y cuando aparece es pregrabada, y el bajo hace su aparición en ciertos momentos, pero tampoco es un instrumento clave. La palma se la llevan las cuerdas, que a través de las guitarras acústicas, el sitar y las mandolinas construyen el sólido esqueleto de la mayoría de las composiciones, aunque también hay que hacer una mención especial al piano de Lapp, aportando un delicioso material.

 

El disco es una maravilla de principio a fin. No tiene desecho, llevándonos de un paisaje fantástico a otro no menos increíble. La mezcla entre sonidos electrónicos y clásicos es una comunión perfecta. Los teclados crean atmósferas lineales y envolventes que hacen de  biombo entre tema y tema. En otros casos terminan de una forma cortante y parece entrar el siguiente un poco con calzador, como si fueran fragmentos que cada miembro ha ido urdiendo y después los insertan tal como vienen.

 

Amadeus Reineck

Es un trabajo completamente instrumental, solo hay una inclusión de coros a cargo de Caroline McCombs, destaca la pureza y autenticidad del sonido de las guitarras acústicas, que en algunas ocasiones no van acompañadas de nada más, pero de verdad que no lo necesitan. Sus acordes son armoniosos, pura poesía integrada en notas, cadencias melancólicas y optimistas en completa complicidad e igualmente cuando conectan con el piano y los teclados. Minucioso y concienzudo, sin dejar nada atado. Según los pasajes que escucho me recuerdan en su estructura a otros como EMTIDI, ASHRA, TANGERINE DREAM o M. OLDFIELD.

 

Música que se puede considerar introspectiva, cargada de lirismo, cuyas atmósferas son de carácter onírico, incluso contemplativo. Melodías acertadas y evocadoras  nos trasladan en su inicio desde la costa, hasta la ruidosa ciudad y luego a la campiña, donde parecen querernos decir que es donde desean quedarse. Una obra de gran factura en la que no se echa de menos nada. Un aluvión de sensaciones dirigido a sacudir nuestros sentidos, cuyo poder balsámico es enorme.

 

Michael Lapp

Pero una vez más nuestros amigos tras crear esta joya van a pasar inadvertidos dejando un tesoro oculto, en una época en que todo esto estaba de capa caída. Triunfa el techno, el pop, la nueva ola, y para unos recién nacidos, sin un bagaje potente detrás, la repercusión que podían causar era nula. Las radio fórmulas y la Televisión estaban centradas en los nuevos estilos, que estaban surgiendo de las cenizas producidas por la derrota de bandas más próximas a TRY. Solo un disco así habría obtenido su fruto si proviniese de grupos muy consolidados como MICK OLDFIELD o VANGELIS con cierto reconocimiento comercial.

 

Como reza su portada "Just a try", (sólo un intento). No hubo más, pero fue impactante.





domingo, 1 de mayo de 2022

CROSBY STILL NASH & YOUNG - Déjà vu (1970)

 


David Crosby......................Guitarra y voz

Stephen Stills.....................Guitarra acústica, eléctrica y voz

Graham Nash.....................Guitarra y voz

Neil Young..........................Guitarra acústica, eléctrica, voz

Gregory Reeves...................Bajo

Dallas Taylor.......................Percusión

 

1ª cara:

- Carry on

- Teach your children

- Almost cut my hair

- Helpless

- Woodstock

2ª cara:

- Deja vú

- Our house

- 4 + 20

- Country girl

- Everbody I love you

 

En 1969 se constituía el triunvirato de oro Crosby, Stills & Nash, un triplete que desde un primer momento fue aceptado por el público general y la prensa. Formación de lujo con unos antecedentes exitosos por parte de sus componentes. David Crosby salía nada menos que de The Byrds, Graham Nash había tocado con The Hollies integrados en la British Invasion, y Stephen Stills núcleo fundamental de la Banda Buffalo Springfield donde coincidiría con un joven Neil Young. Su sonido dentro del folk rock con arraigo sureño cautivaría gracias a los intricados juegos de voces realizados por todos ellos, construyendo armonías de gran gusto tejidas junto a guitarras tradicionales en su mayoría y letras sencillas y sinceras. Se darían a conocer en Woodstock, primerizos e inseguros  consiguieron alzarse a los primeros puestos con alguno de sus temas que luego se han convertido en verdaderos emblemas de la música rock mundial.

 


Al año siguiente tras su arranque fulgurante vuelven al estudio, pero esta vez Stills invitará a colaborar a un amigo que estuvo con él en Buffalo Springfield, Neil Young, compañero de andanzas cuya aportación dejará una huella imborrable, al tomar el sonido folk de la banda un mayor acercamiento al country rock de la América rural, y mayor potencia con una guitarra de afinación reconocible al instante y voz también de timbre singular y único, que juntos transmiten una melancolía a la melodía innata del carismático autor.

 

El fruto de este cuarteto se llamaría Déjà Vu, un álbum que contiene nuevamente piezas fundamentales de la música rock en general, una maravilla difícil de repetir como "Our house" o "Teach your children". Se grabó como sesiones individuales por cada miembro, contribuyendo en lo que se había establecido previamente. También incluyó aportaciones puntuales de personal muy respetable como Jerry García de los GRATEFUL DEAD y John Sebastian de LOVIN' SPOONFUL.

 

A la estela de su primer trabajo, nos ofrecen otra colección espléndida de temas con unas armonías vocales excepcionales, tempos tranquilos, cierto aire de introspección donde la música siguen teniendo una fuerte base de guitarras acústicas, pero por encima encontraremos la eléctrica de Young destacando e imprimiendo más cuerpo a las composiciones en las que participa, donde a veces coincide con la de Stills respetándose el espacio. Los arreglos de algunos cortes, en los que se incluye el piano acertadamente nos indican que las composiciones se han elaborado con texturas instrumentales más complejas (Country girl). Otro elemento indicador de esa mayor diversidad en la melodía son las intervenciones de los teclados, que surgen con mayor frecuencia y con un trasfondo que imprime más energía y solidez a la música. El sonido adquiere más electricidad y se aleja del purismo de su antecesor. Helpless muestra su influencia del rock'n' blues con un punto acido en la guitarra, cortes íntimos y personales como 4 + 20,  mencionado ya Country girl a cargo de Young, el más elaborado, de línea melancólica, potente sonido del órgano junto a categóricos timbales que le añaden un toque épico. Pero sin duda mi preferido es la pieza que da nombre al disco; Déjá Vu se sale algo de los tópicos marcados por la banda, pero mantiene esa esencia de guitarras acústicas entrelazadas que crean una mágica atmósfera que se torna algo extraña en su construcción, pero de una belleza sinigual.

 


Una vez acabado este trabajo, los cuatro músicos realizaron obras en solitario, con gran éxito para todos ellos después de haber besado el cielo con su estreno como grupo.  Cuatro compositores que podían haber seguido juntos, pero el hecho de que todos quisieran acrecentar sus fronteras como autores, las relaciones tumultuosas existentes, el activismo político de algunos de ellos y sus constantes colaboraciones en la contracultura hicieron que el proyecto se detuviese durante unos cuantos años, hasta 1977 en que volverían a reunirse los 3 primeros junto a un Young que cuando podía apartarse de su carrera en solitario, les echaba una mano.

 

No importa tu predilección musical, no dejéis pasar inadvertido este álbum, es una joya con sabor añejo como su portada color sepia.




domingo, 25 de octubre de 2020

STACKRIDGE- Extravaganza (1974)

 


Mutter Slater...........Voz y flauta

Roy Morgan.............Batería

Andy Davis...............Guitarra, teclados, voz

Paul Karas................Bajo y voz

Keith Gemmell........Saxo, clarinete y flauta

Rod Bowkett............Teclados

1ª cara:

- Spin round the room

- Grease paint smiles

- The volunteer

- Highbury incident

- Benjamin's giant onion

- Happy in the Lord

2ª cara:

- Rufus T. Firefly

- No one's more important than the earth worm

- Pocket billiards

- Who' s that up there with Bill Stokes

Álbum ya avanzado en la discografía del grupo, supone el comienzo de una nueva etapa, puesto que de la formación inicial con la que grabaron los tres trabajos anteriores solo quedarán 2 miembros, Andy Davis y Mutter Slater. La nueva tripulación volverá a contar con 6 músicos, entre ellos el renovador y  polifacético Rod Bowkett que abogará por dar un nuevo giro al estilo, dotándolo de más cuerpo incluyendo secciones de viento de gran presencia, teclados mucho más incisivos y un estilo más cercano al rock progresivo pero sin olvidar sus orígenes folk. Las atmósferas bucólicas de composiciones pasadas se difuminan y el sonido se concreta en desarrollos más vitalistas.

 


Interactuaban mucho con el mundo de la cultura y con una fijación absoluta por los BEATLES, hasta el punto de requerir los servicios de George Martin, productor de los cuatro de Liverpool. La existencia de la banda fue muy inestable y a pesar del gran éxito con que fue recibido este "Extravaganza" nuevamente aparecen los problemas desestabilizadores dando al traste con esta estupenda camarilla y volviendo a tener que constituir un nuevo equipo.

 


La correlación entre el contenido de Extravaganza y su imagen de la portada del vinilo es estrecha. Y es que su música se llena de ambientes circenses, esplendores teatrales, de cabaret y sonidos propios del vodevil. Escenas que desprenden desenfado, optimismo y simpatía recordando en ocasiones a las melodías de los "locos años veinte". Composiciones en esta primera cara del disco divertidas y alegres en la que intervienen gran cantidad de instrumentos de viento, clarinetes, saxos, trompeta, flauta y acompañadas del violín ,menos protagonista que antaño, e incluso parece escucharse un acordeón. Canciones rápidas de ritmo festivo muy eclécticas en su concepción, con arreglos orquestales y de un piano excelente.

 


Tras salir a la pista central de la carpa le damos la vuelta al plástico y nos vamos a encontrar con una 2ª parte magnífica en la que todos los temas brillan con luz propia, destacando "No one's more important than the earth worm" y "Rufus T. Firefly", con una gran labor del bajo y  de contenido delicioso. Melodías elaboradas con gran perfección, elegantes y de diversidad cromática, ritmos cambiantes y movimientos constantes que les acerca a las estructuras que caracterizan al rock progresivo. Música de peso, más trascendental, en la que el órgano y el mellotrón se explayan y sin duda le confieren un valor añadido a las texturas.

 


Trabajo de altura realizado por unos músicos que dejan entrever una gran profesionalidad y destreza, destacando en concreto Bowkett, agradable descubrimiento que demuestra enorme capacidad, no solo para la creación sino para los arreglos y la sincronización dibujando complejas amalgamas muy sutiles y coloristas.





martes, 2 de enero de 2018

FLUDD - Fludd (1971)




 Mick Walsh...............Guitarra principal y voz
 Ed Pilling...................Voz y percusión
 Brian Pilling...............Guitarra y voz
Greg Godovitz............Bajo
 John Andersen...........Batería

1ª cara:
- Turned 21
- Sailing on
- David Copperfield
- The egg
- Come back home
- A man like you
2ª cara:
 - Birmingham
- Mama's boy
- Easy being no one
- Make it better
- You see me
- Tuesday blue

Resultado de imagen de fludd canadian bandEl equipo de los hermanos Pilling albergaría el trabajo de algunos componentes que supusieron el germen de una banda que ha llegado mucho más lejos, y digo ha llegado, porque todavía perdura el proyecto SAGA, otro conjunto integrado por los hermanos Crichton que empezó en el año 78 y cuya fama se ha extendido entre los seguidores del progresivo.


FLUDD no es un grupo de progresivo, su sonido anda cerca del desarrollado en la época beat: Beatles de la época de "Sergeant Pepper's", de agrupaciones con un patrón tipo "Crosby, Still & Nash", intrusiones en el country rock y algo de "Costa Oeste".

Su música está cimentada en el pop como género principal buscando un performance agradable y preciosista como principal objetivo. Para ello incorporarán orquestación en los arreglos, impresionantes armonías vocales muy cuidadas y aflorando a lo largo de la obra, colaborando el personal al completo en todas las composiciones. Canciones de construcción básica (Intro- estribillo-coda), sin estridencias, en las que las guitarras se manifiestan discretas en el acompañamiento de la melodía y están contados los solos.

Temas que sin ser brillantes mantienen el tipo gracias en parte también a la variedad de ritmos, melodías y estilo presentados en el recetario del vinilo.

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Altibajos en la calidad de los tracks, buena voz, sensibilidad y finales en algunos casos que saben a poco y que son inesperados.


PUNTUACION: (De 1 a 10): 6,7



lunes, 11 de septiembre de 2017

NEIL YOUNG - Harvest (1973)


Neil Young..............Guitarra principal, voz
Ben Keith...............Guitarra Steel
Jack Nitzche...........Piano y Guitarra Slide
Tim Drummond........Bajo
Kenny Butrey...........Batería

1ª cara:
- Out on the weekend
- Harvest
- A man needs a maid
- Heart of gold
- Are you ready for the country
2ª cara:
- Old man
- Threre's a world
- Alabama
- The needle and the damage done
- Words

Álbum fabuloso de carácter muy intimista, fruto de un torrente de sentimientos por parte de Young que van a confeccionar un retrato muy fiel de lo que nos quiere transmitir; y es su pasión por esa tierra que pasa desapercibida dentro de un país, donde solo cuenta la población de ciudades levantadas sobre toneladas de cemento. En el disco fluyen continuamente sensaciones y visiones de llanuras polvorientas, la vieja América tradicional, bourbon, calor, sombreros vaqueros y tractores que son testigos de la quietud del paisaje e intrusos en los enormes campos teñidos de amarillo.

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Neil Young, hombre de talento inabarcable, nos ofrece una colección de temas mayoritariamente acústicos, aunque nos incluye alguno que otro eléctrico que no hay que perderse porque son una maravilla. Su música para el que no conozca a Young diremos que se mueve entre el folk y el country rock. Pero es así en este Lp, su extensa carrera musical alcanza diversos estilos, siendo en el country rock donde más agusto se mueve.

En "Harvest" le acompaña la armónica, el banjo, la steel y la slide guitar junto a un ritmo de batería y bajo que conforman un ambiente folk bien definido y acertando en cada pedacito que nos ofrece. Temas como "Out on the weekend", "Harvest" o "Heart of gold" corroboran ese espíritu country folk que se respira con tanta fuerza. También se incluye un par de temas que sorprenden y que se salen de la tónica general, "a man needs a maid" y "There's a world" donde se escuchan partes de orquestación inesperados, que tal vez se deban a la necesidad de dotar de cuerpo y profundidad esos tracks, que al no incluir apenas más que un piano, quedarían demasiado desnudos.

La segunda cara gana en fuerza con cortes de guitarra eléctrica como son "Alabama" y "Words" que contienen desarrollos muy interesantes y en los que el piano juega un papel primordial en los arreglos y que considero una consecuencia del éxito. La guitarra de Neil en "Words" improvisa en algunos instantes con lamentos cargados de una sensibilidad exquisita entrelazados con el piano que como ya he dicho, está espléndido.

No dejéis pasar la oportunidad de escuchar este diamante.


PUNTUACION: (De 1 a 10): 9,3

sábado, 15 de julio de 2017

SMITH - Minus-plus (1970)

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 Gayle McCormick...........Voz principal
    Bob Evans......................Batería, percusiones
    Alan Parker....................Guitarra, voz
    Judd Huss.......................Bajo, voz

  1ª cara:
- You don't love me
- Born in Boston
- Comin' back to me
- Feel the magic
- Jason
  2ª cara:
- What am I gonna do
- Take a look around
- Since you've been gone
- Circle man
- Minus-plus

Tras una reestructuración en la que guitarra y bajo abandonarán el seno del grupo se produce el nacimiento de una banda renovada que cambiará el estilo duro y menos melódico convirtiéndolo en un pop rock mucho más accesible, en busca de armonías, imbuido de calidad irrefutable.

La entrada de Alan Parker y Judd Huss en esta banda californiana sin duda conforta un giro musical respecto a su anterior y primer álbum. "Minus plus" conlleva unas pinceladas psicodélicas (sorprende escuchar en algún corte arranques de guitarras psicodélicas y órganos chirriantes) aplicadas sobre ritmos y melodías vivas, agiles, y geniales sobre una base sólidamente construida a cargo del hammond, magníficos arreglos de viento, guitarras serenas y la voz de Gayle que es un ingrediente esencial, portentoso y necesario.

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Con unas condiciones vocales más que sobresalientes Gayle cumple perfectamente con su trabajo suponiendo un deleite y dando gusto oírla. Su voz está a caballo entre TINA TURNER y LINDA RONSTADT, un importante pulmón y una gran profundidad que asombra y deja patente sus facultades. Hay un intercambio de voces, cantando de forma alternada, en unos temas Alan, que no es comparable aunque lo hace muy bien, y en otros Gayle.

Oasis de composiciones y buenos momentos realizados con minuciosidad, ofrecen estructuras con un espectacular despliegue de instrumentos, perfectas para desintoxicarse después de haber escuchado un grupo progresivo denso y extremadamente elaborado.

Música que presenta raíces del sonido americano combinando estupendas baladas con composiciones más animadas y muy instrumentalizadas, pero siempre con buen gusto y un espíritu optimista.

Disco muy interesante, perfecto para quitarse los malos espíritus de un día duro, realizado con una producción exquisita, culpable directa de la gran calidad alcanzada.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 8

domingo, 20 de octubre de 2013

PAUL KANTNER - Blow against the empire (1970)


Paul Kantner.......Guitarra acústica, eléctrica, banjo y voz
Grace Slick...........Piano y voz
Jerry García..........Banjo y guitarra
Bill Kreutzmann.............Batería
Mickey Hartz.............Percusión
Joey Covington........Batería, congas y voz
Jack Cassidy.............Bajo
David Crosby............Guitarra, voz y coros
Graham Nash............Congas y coros
David Freiberg...........Coros
Harvey Brooks...........Bajo
Peter Kaukonen.........Guitarra
Phill Sawyer................Efectos de sonido

1ª cara:
- Mau mau (Amerikon)
- The baby tree
- Let's go together
- A child is coming
2ª cara:
- Sunrise
- Hijack
- Home
- Have you seen the stars tonite?
- "XM"
- Starship

Un trabajo conceptual abanderando el idealismo de contracultura muy presente en la costa oeste de EEUU. Eran tiempos de protesta contra todo lo establecido y allí el espíritu hippy estaba en su momento de mayor apogeo. Para  realizarlo Paul , un hombre inquieto , hipercreativo co-fundador de JEFFERSON AIRPLANE y JEFFERSON STARSHIP e involucrado con la causa se va a rodear de un impresionante elenco de personajes que colaborarán para llevar a cabo un disco cargado de mensajes tanto a través de la música como del diseño gráfico de la envoltura.

Una obra redonda plena de sensibilidad, cálida, generadora de atmósferas envolventes y preciosas en las que podemos oír reflejados a través de efectos de sonido ecos que marcan la sociedad de la época. Amalgama de guitarras acústicas espléndidas que tiñen de aire folky los temas acoplándose en perfecta armonía a la guitarra eléctrica y al piano creando unos ambientes instrumentales plagados de sutileza que incluyen ciertos elementos de psicodelia y que en muchos momentos se nutren de una improvisación muy inspirada.

Canciones que derrochan calidad compositiva y que ofrecen pasajes magníficos cuando entran en acción las voces de Paul , David, Graham y especialmente Grace, voces con sentimiento que entrelazadas, entrando y saliendo, en los coros, son un torrente de sensaciones mágicas difíciles de igualar.


Este Lp es para degustar y paladear descubriendo matices a cada escucha.

PUNTUACION: (De 1 a 10): 8,6





domingo, 7 de abril de 2013

OPHIUCUS - Ophiucus (1971)



Alan Labacci.................Voz , guitarra, percusión
Bernard Labacci...........Voz, batería, percusión
Jean Pierre Pouret........Bajo, guitarra, voz
Michel Bonnecarrere ....Guitarra, bajo, percusión, flauta, voz

1ª cara:
- Prenez, Donnez
- Patiemment
- Au Hasard
- Ne Cherche Plus
- L'Eveil De Notre Temps
- C'Est Pour Toi

2ª cara:
- Darbouka
- T'Inquiète Pas M'man
- Djuleka
- Inachevée
- Mirlipinious
-Univers 


Grupo de corta vida (solo sacaron 2 LP's). Este es el primero de ellos, y realmente se percibe un cierto eclecticismo en él. Ya que sus temas son diferentes unos de otros y no se observa una tendencia a seguir en su sonido. Es un álbum con aires folk que predominan sobre los momentos de rock. Varias canciones terminan de forma seca lo que hace pensar en que estamos ante un primer trabajo que contiene improvisación y experimentación. Un ejemplo es el tema inicial, un tema caótico que parece no tener principio ni fin.

Se van alternando cortes acústicos con cortes en los que aparecen las guitarras eléctricas. Aunque estas no abundan. La percusión es más que correcta, muy interesante.

La cara 2 comienza con ritmo vigoroso, teniendo en cuenta que la cara 1 había sido bastante suave y folky.  También encontraremos un tema de blues que suena muy similar a los "Canned Heat". Y la que creo es la mejor de todas las canciones, la última, "Univers", la más completa instrumentalmente hablando, con atmósferas espaciales, etéreas y arreglos trabajados que la convierten en la más interesante.

Un disco para escuchar con calma degustando tema por tema. Pero que nos resultará más brillante conforme lo escuchemos en más ocasiones.

PUNTUACION (De 1 a 10): 7.5



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